per Info quì : info@ginoramaglia.it

Sergio Fermariello

Sergio Fermaniello nasce a Napoli il 29 aprile 1961. Dopo gli studi scientifici e il diploma di Liceo Scientifico della sua città frequenta i corsi di Scienze Naturali presso l'Università di Napoli. Dall'età di vent'anni decide di dedicarsi esclusivamente all'attività artistica.
La sua ricerca parte dal recupero dei modelli, memorie familiari che si estendono poi ad una ricerca più approfondita di archai universali nel recupero di un'inconscia memoria colletiva.

Nel 1989 espone per la prima volta in una personale alla Galleria Lucio Amelio con la quale intraprende una lungo collaborazione di lavoro. Nello stesso anno ottiene il "Premio Internazionale Saatchi & Saatchi per giovani artisti" in occasione della prima edizione del premio tenutasi presso il Palazzo delle Stelline di Milano. In seguito espone in diverse mostre personali tra le quali quella alla Galleria Il Capricorno di Venezia nel 1990 e alla Galerie Yvon Lambert di Parigi nel 1992. È anche presente in alcuni importanti appuntamenti internazionali quali la mostra Metropolis alla International Kunstausstellung di Berlino del 1991 e la mostra Les pictographes al Musée de l'Abbaye Sainte-Croix di Les Sables-d'olonne dove Didier Ottinger lo invita ad esporre i suoi lavori accanto a dipinti di Klee, Miró, Picasso, Penck, Sanejouand. Nel 1993, ad appena 32 anni, è chiamato da Achille Bonito Oliva a partecipare alla XLV Esposizione Internazionale Biennale d'Arte Venezia con una sala personale nel PAdiglione Italia all'interno della mostra Opera Italiana - Trittici. Per l'occasione presenta due grandi opere costituite da tre pannelli in cui sviluppa la figurazione essenziale dei Guerrieri, motivo che percorre l'intera ricerca dell'artista fin dall'89. Nel 1995 espone nella mostra Opus Alchemico alla Galleria In Arco di Torino alcuni lavori a carattere tridimensionale, a metà strada fra la pittura e la scultura che costituiscono una tappa ulteriore nel giovane percorso dell'artista.

Tra le mostre recenti: la retrospettiva in Castel Sant'elmo a Napoli, curata da Angela Tecce (2004), la personale nella certosa di San Michele a Capri (2004), e la mostra scandita in due "episodi" avvenuta parte all' Istituto Italiano di Cultura e parte nella darsena "pier70" a New York (2005).

Info: www.sergiofermariello.com

Claudio Giulianelli

Claudio Giulianelli nasce a Roma nel 1956, frequenta un'istituto ad indirizzo chimico, ma la sua forte passione per l'arte (in particolare per quella antica) lo porta ad approfondire la tecnica e lo studio della pittura tramite un'attenta osservazione delle opere dei maestri unitamente alla lettura dei testi di tecnica pittorica. I libri su Caravaggio e quelli sui Fiamminghi sono i suoi compagni di viaggio quotidiani. L'incontro con pittori quali Delfo Previtali e Guido Razzi hanno ulteriormente affinato il suo modo di dipingere. Nel tempo ha girato mezza Europa per vedere da vicino i quadri di Grandi Maestri coltivando quelle sensazioni che quei capolavori lasciavano in lui. Nel 1992 si trasferisce a Corchiano, un paesino dalle antichissime origini Etrusche ove vive e lavora in via Vittorio Emanuele III, 46 Cap 01030 Viterbo Italia

PRINCIPALI MOSTRE A CARATTERE NAZIONALE  ED   INTERNAZIONALE

1983  Expo Tevere - Roma
1985 Expo Arte  Bari
1985 Mostra Nazionale Arti Figurative - Foligno
1985 "La Tavola nel Mondo" Palazzo dei Congressi Eur Roma
1987 III Rassegna Nazionale  - Anzio - Roma
1987 "L'Arte oggi nel regno Angioino" - Cittaducale  Rieti
1987 Il Presepio Vivente - Rivisondoli
1987 Premio Lions Club Città di Leonessa (Targa IV Premio)
1987 Primo incontro artisti dell'Alto Sangro (Targa)
1988 "L'Arte contro l'Aids" Ministero dei Beni Culturali e Ambiente - Complesso  momumentale di S. Michele a 
        Ripa  - Roma
1988 I Biennale  d'Arte Sacra - Fermo
1988 Mostra internazionale di Mail Art - Circolo Sirena - Francavilla al  Mare
1988 IV Rassegna Nazionale Arti Figurative - Perugia
1988 Concorso Nazionale di Pittura Città di Giulianova  (coppa)
1988 Palazzo Mazzacurati - Bologna
1988 Premio S. Giovanni Leonardi (III Premio) - Roma
1989 XX Premio Internazionlae di Pittura Civitella Roveto
1989 Premio Nazionale Arte Sacra Mariana - -Sala del Bramante Roma
1989 100 Presepi - Sale del Bramante a Roma
1990 Concorso internazionale per l'ideazione di un francobollo per le  Poste Giapponesi - Tokyo
1990 Premio "Pennello d'Oro" - Sulmona
1991 Settimana dello sbarco - Salone degli Specchi Anzio
1991 Mostra Internazionale a tema ferroviario - Milano
1991 Premio Dante Alighieri - Sala delle Protomoteca del Campidoglio   Roma
1991 100 Presepi - Sala del Bramante Roma
2005 Theleton   BNL
2006 Selezione Museo  La Corugna   Spagna
2006 Re-opening Art party Young Museum  Centro Internazionale  D'Arte  Moderna Palazzo Ducale Revere  (Mn)             
2006 "La Donna animale" Colletitiva Chiesa di S Francesco--Capranica Vt
2006  La Notte Bianca--Roma  presso la  Neoartgallery


MOSTRE PERSONALI
1980 Teatro dei Dioscuri - Roma
1981 Galleria IWS Roma
1983 Galleria Michelangelo  Bari
1984 Centrto Esp Roma
1986 Centro d'Arte "La Bitta" Roma
1989 Palazzo Orsini Morlupo
1990 Palazzina Corsini Villa Pamphili Roma
1991 Centro d'Arte "La Bitta" Roma
1992 Centro IMI CSA Roma
1993 Centro IMI CSA Roma
1994 Centro d'Arte Corchiano
1996 Palazzo Ridolfi  Corchiano
1997 Chiesa  Viterbo
2000 Palazzo Ridolfi Corchiano
2002 Palazzo Ridolfi Corchiano
2005 Palazzo Ridolfi Corchiano
Hanno scritto  di lui: L. Anzalone, G. Catenacci, A De Angelis, A Giordano, ,  F.  Farachi, A Giordano, M. Horrocks,
D. Micacchi, G. Razzi, A . Roberti. C. Speranza. A. Turi, C. Zonno.

I giornali e le emittenti televisive che si sono interessati alla  sua pittura sono:
Il Tempo, La Repubblica, L'Osservatore Romano, Dimensione Lavoro, Ecomond Press, Il Gazzettino Parlamentare, Marsica Domani, Tuttoteatro, Il Giornale dei Misteri, Portaportese, Il Pantano, Arte Italia Illustrata, Il Corriere della Sera, Il Banditore, Regione Oggi, L'Unità, Calendoscopio, Tele Roma 56, Tele Norba, Flash Art, Art Leader, Corriere di Roma., Rivista Image Arte & Life, Il Corriere di Viterbo.
I suoi quadri sono esposti:
Chiesa di S. Pio V in Roma"Il Cristo dell'Eremita" cm 150 x 200   e "La Resurrezione"   
cm  150 x 200
Chiesa di S. Giovanni Leonardi Roma
Chiesa SS., Cirillo e Metodio "Ecce Homo"
Chiesa S Maria Mater Ecclesiae Roma+
Chiesa di S Barbara alle Capannelle
Abbazia di Casamari  Frosinone
Museo del Presepe Vivente Rivisondoli
Sindacato Nazionale di Polizia Siulp
Comune di Cittaducale
Santuario della Madonna dei Bisognosi  Carsoli l'Aquila
San Biagio  "Natività"  Corchiano
Metropolitan Art Gallery  Lecce
Brasil Arts  - Tampa Florida USA

In udienza privata ha donato una crocifissione su tela a S. S. Giovanni Paolo II

Info : www.claudiogiulianelli.it

Massimiliano Mirabella, nasce a Napoli il 24/01/1970, vive e lavora tra Napoli e Caserta dove tuttora

insegna decorazione pittorica e scenografica all’Istituto d’Arte di San leucio. Nel 1993 si diploma

all’Accademia Belle Arti di Napoli in Pittura con il Maestro Armando De Stefano.

Guardare da vicino l’opera di Massimiliano Mirabella significa esplorare i recessi della sua anima.

Passione, impeto, sofferenza, ossessione, umani vincoli contraddistinguono la sua poetica. Forsennata

ricerca di un io in alternanza perduto e ritrovato nei legacci e nei volti nascosti. Anelito ad un

simbolico ritorno nella placenta, nel liquido amniotico, dove ci si ripara da una realtà troppo spesso

aggressiva e intollerante. L’artista si rifugia nella sua arte usando tutti i mezzi che la sua ricerca

riesce a trovare, sperimentando tecniche e avendo come parola d’ordine la mutazione e

l’inarrestabilità espressiva. Metallo, gessetti, colori a olio, a carboncino, addirittura lucido da scarpe

per sfumare forme create forsennatamente, con la passione di chi vive a pieno la sua dimensione di

uomo e di artista. Un tema ricorrente è la distruzione, meglio se quella lavica, culturalmente affine

alla sua condizione geografica e storica Ferite aperte dalle quali può fuoriuscire la vita caratterizzano

le sue fotografie. L’essere umano nel suo ambiente naturale e i comportamenti che vengono scatenati

sono un altro tema della sua fotografia. Si avvale spesso di autoritratti, perché è partendo da se stesso,

dalla sua condizione che intende trascendere all’oggettivazione di stati mentali e sensazioni. Ricerca

intima che tende ad allargarsi per inglobare l’umano sentire e divenire.

-2006- "D’amore&d’altro" Performance pittorica a Lanificio25 di Napoli

-2005- "Musei in movimento" Facolta di Agraria e Veterinaria della Federico II di Napoli

-2005- "Mira33 project – "Suggestioni AudioVisive" - Squere + "Off line performance"

- Sala Leonardo - Città della Scienza di Napoli

-2004- "Settantadueore action" mostra nella galleria "STOPART" di Roma

-2003- "Ossessione" presso la galleria "Il ritrovo di Rob Shazar" S. Agata dei Goti (BN)

-2006- "Al caro Giorgio Gaber" Circolo Artistico politecnico – in Napoli

-2006- "Fregio Europeo" Accademia di Ungheria in Roma con la galleria MissionArt Galéria di

Budapest

-2005- "Studi Aperti" di Napoli con l’associazione Arterìa

-2004- Art Toronto 2004 – Metro Toronto Convention Centre con la galleria "STOPART" di Roma

-2004- "Artisti Italiani" presso il locale galleria "Vinalia Winecafè" Tegucigalpa Honduras

-2004- "Angel in palace" organizzata dalla galleria MB 47 di Salerno per Salerno Porte Aperte

-2004- "Studi Aperti" di Napoli per Maggio Monumenti per l’associazione Arterìa

-2004- Milano Flash Art Fair - Una Hotel Tocq di Milano con la galleria "STOPART" di Roma

-2004- 1° Salone Art Expo di Monte Carlo con la galleria "STOPART" di Roma

-2003- "Opening" della galleria "STOPART" di Roma

-2003- Performance pittorica intitolata "ACTION" nel Palazzo Valentini di Roma

-2003- Biennale di Porto Ercole (GR) Performance pittorica nello spettacolo teatrale di Federico

Caramadre

-2002- "6° Salone d’ Arte Moderna di Forlì Fiera" - Partecipa come video artista

-2002- "Ignavia" presso Spazio sociale Cerriglio di Napoli

Info: http://www.miramediastudio.com/index.htm

Diego Loffredo

    Nei lavori di Diego Loffredo la prima cosa che colpisce è la visitazione poetica del dato di cui lo splendore del colore ne è come l’annuncio.

    L’occhio si lascia “spalancare”dal particolare oggettivo del mondo, nel nostro caso particolari di giocattoli, contestando poeticamente una partenza astratta o idealistica. Ogni tela nelle sua fisicità e struttura architettonica testimonia un attaccamento “stupito” all’intelaiatura del mondo che neanche la più pazza educazione all’astrazione contemporanea può cancellare.

    Questo “attaccamento” è sempre da riscoprire: qui comincia l’arte come dono e come metodo.

    Occorre risalire all’origine di cui l’infanzia (i giocattoli) sono segni, vincenti la caligine dell’ovvio.

    Il particolare entra nella pupilla e, mettendo tra parentesi l’ovvietà dei nessi tra gli oggetti e le proporzioni, provoca l’occhio a ri-scoprire una nuova connessione con il tutto. Il rapporto particolare-totale non è più quantitativo, ma qualitativo. Assi, architetture, rotelle, biglie, pallottolieri, burattini di legno del dopoguerra si spazializzano sul filo della nostalgia di un nuovo inizio del tempo e della memoria. Perché questo accada è necessario un uso nuovo della ragione intesa non come misura, ma come “varco” spalancato. E’ il desiderio di Montale.

    Nella poesia “Fine dell’infanzia”, Eugenio Montale dopo i versi famosi: “volarono anni corti come giorni” sembra di guardare un quadro di Diego: “Ah il giuoco dei cannibali nel canneto, / i mustacchi di palma, la raccolta/ deliziosa dei bozzoli sparati!

    Qualcuno ha scritto che per capire l’uomo bisogna guardare al bambino ( giocattoli ) e a Dio ( la trasparenza della realtà ).  L’arte di Loffredo come per vocazione, cioè distrazione dalla meccanicità, è la storia di questo sguardo.

Prof.  Marcello Strommillo

Info: www.diegoloffredo.it/index.htm

Francesco Verio:
artista di seconda generazione

Tra i giovani artisti, emersi in questi ultimi anni, un posto di gran

de rilievo è stato raggiunto da Francesco Verio il quale, con tenacia e perseveranza, ha saputo farsi notare ed apprezzare da critici e dai collezionisti per la sua pittura fortemente espressiva alla quale va aggiunta la sensibilità dell'artista che la presenta in maniera originale e facilmente riconoscibile.

Figlio di Alberto Chiancone, personalità di grande spicco della pittura napoletana, ha preferito rinunciare nella sua carriera artistica, al cognome del padre e a presentarsi come uno dei molti giovani che si affacciano nel campo dell'arte, per essere valutato liberamente senza i tanti pregiudizi che un tale cognome avrebbe potuto comportare sia positivamente che negativamente e questo va ad onore del giovane Verio!

Si è formato all'Accademia di Belle Arti di Napoli sotto la guida di Armando De Stefano, Enrico Caiati, Alfonso De Siena ma, prima ancora gli era stato maestro il padre. Notevole quindi la sua preparazione, che influisce non solo sulle opere che egli realizza, ma anche sul carattere dell’uomo

Info: www.francescoverio.it

In ogni pietra raccolta sulla spiaggia, nel legno riportato sulla spiaggia dal mare in ogni ramo d'albero, esiste un essere spirituale universale che vi alberga e che vive. In particolare la pianta d'ulivo,dal ramo più piccolo alla radice, è un piccolo mondo meraviglioso; uomini, donne animale, fiori....Con i loro sentimenti le loro sensazioni...la loro vita.

Nel legno, come nella pietra, v'è la forma pura del sentimento, della sensazione dello sguardo e dell'espressione che caratterizza l'essere.

L'autore è convinto che con l'arte e con l'amore è possibile dare una forma a questi spiriti, per visualizzarne il ritmo plastico dell'esistenza e non il corpo per fermare l'azione, lo sguardo. Per farci trasmettere emozioni e stati d'animo e così diventarne compagni e fratelli.

L'essenza delle sculture di legno ed in pietra, nel pensiero dell'autore, non è quindi la figura greca ma la rappresentazione delle parole e dei sentimenti, l'attribuzione di una forma, di un corpo materiale al fine di consentirgli con la sola presenza, di entrare nella nostra sfera d'emozioni per poter costantemente trasmettere, con il suo sguardo o con la sua forma, ciò di cui abbiamo realmente bisogno.

La singola opera vuole essere una realtà vivente, una magia assolutamente nuova e forse originale d'espansione e sfumature per darci la possibilità di pensare, riflettere forse sognare senza sentirsi soli.

Queste raccolte d'opere sono il primo risultato, dell'annosa ricerca compiuta dall'autore, per fermare in una forma materiale quanto più possibile semplice ed armoniosa le voci, le emozioni ed in conseguenza le riflessioni ispirate dal Mare ma di più dalla Natura tutta, intesa come "La Grande Madre". Nell'uomo lo sbocciare della rosa è stretta relazione con il suo cammino di conoscenza, ma nelle altre espressioni della parte di Universo a noi vicina, dal granello di sabbia alla più piccola foglia, l'essenza della Gnosi è nel suo splendore, racchiusa nella verginità della semplicità, nel sincronismo con la volontà Universale, che caratterizza le nature incontaminate.

Ascoltare le parole di una pietra, la musica della plasticità di un ramo, è difficile se non impossibile vivendo come oggi l'uomo deve vivere. Per il principio d'immortalità e d'unicità della verità, la stessa musica, le stesse parole possono essere rappresentate ed ampliate dando a quella stessa pietra o a quel ramo una sembianza a noi nota.

Info: http://www.sculturemediterranee.com/

M E R E T H E D U V H O L T H A U G

Info:

Ryan Mendoza, nato a New York nel 1971, ha vissuto per qualche anno a Napoli prima di trasferirsi definitivamente a Monaco di Baviera. La scorsa estate il Mart di Trento gli ha dedicato una mostra a palazzo delle Albere nella quale erano esposti una trentina di lavori prodotti negli ultimi quattro anni. Già da tempo è presente sui più importanti palcoscenici dell'arte contemporanea, da Torino a Milano, con una pittura evocativa ispirata ai volti e alle atmosfere della sua memoria. Inoltre, in contemporanea con la Minini di Brescia, la Galerie Bernd Kluser di Monaco sta proponendo il lavoro di Mendoza in un'esposizione personale, che dà così all'evento bresciano un'incidenza di portata internazionale. Nella sala di via Apollonio sono esposte sette grandi tele dipinte, (la maggiore misura tre metri per due) sulle quali Ryan Mendoza descrive le immagini surreali che affollano il suo immaginario. L'allestimento della mostra è di grande effetto: nello spazio che si apre all'entrata lo spettatore può infatti vedere subito i quadri alle pareti, che aprono grandi finestre sulla spazialità delle opere di Mendoza. I personaggi dipinti dall'artista fluttuano in un'atmosfera nebbiosa, quasi irreale. Non c'è più il netto distacco tra figura e fondo, sono ridotte al minimo anche le sovrapposizioni di segni grafici o di scrittura che hanno caratterizzato il lavoro di Mendoza negli scorsi anni. In contrasto con la pittura descrittiva delle grandi campiture e dei personaggi quasi sfumati, c'è poi il segno grafico dei disegni e dei piccoli schizzi su carta, un tratto quasi infantile che delimita e suggerisce forme con grande sapienza e che ricorda l'epressionismo libero di Basquiat o di Clemente. La visita di questa mostra può far vivere agli appassionati momenti di puro piacere pittorico, nel contesto di una modernità fatta di emozioni primordiali.

Info: www.ryanmendoza.com

Nato a Napoli il 23 giugno 1959.

Ha frequentato a Napoli il Liceo Artistico e l’Accademia di Belle arti sotto la guida di Domenico Spinosa e Bruno Starita. Attualmente è docente di Tecniche dell’Incisione e di Disegno Artistico presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli.

Nel 1982 gli viene conferito il premio "Primo Vere" di grafica dall’Accademia Nazionale di San Luca di Roma.

Dal 1987 mantiene una corrispondenza epistolare con i maestri Pietro Annigoni e Fabrizio Clerici.

Nel 2004 tiene una conferenza personale sull’ "Arte dell’Incisione" presso il Museo Ignazio Cerio di Capri.

Info: http://www.anielloscotto.it/

Collaborazioni per diversi lavori con l'Agriturismo "Il Giardino di Giupi" situato nei pressi di Lanuvio (RM), conosciuto come "la terrazza dei Castelli Romani" con una veduta che si estende fino al Circeo e alle isole Pontine, rappresenta la meta ideale per chi vuole immergersi nella natura. www.ilgiardinodigiupi.it

http://digilander.libero.it/paolapetru/

Nata a Venezia nel 1961. Cresciuta a Milano diplomata ceramista all’istituto G.Cova.Giovanissima,lavoro alle dipendenze di Antonio Borsato(1911-1982)prestigiosa manifattura di porcellane artistiche.Un ringraziamento particolare a Linda De Dominicis,pittrice decoratrice ed antiquaria,da lei appresi antiche tecniche di decorazione. Agli inizi degli anni ‘80 decisi di trasferirmi in Sardegna dove tutt’oggi risiedo. Le mie opere vengono esposte in mostre collettive e personali in diverse regioni italiane.

Nacque, mi piace pensare non a caso, nel conservatorio di "San Pietro a Maiella" in Napoli, di cui il padre era custode.
Ricettivo, dotato di innata, morbosa sensibilità, non potè non rimanere "catturato" da "quella" particolarissima atmosfera di mistiche suggestioni e struggenti malinconie peculiari del luogo.
L'incanto della musica e il fascino di tante opere d'Arte, patrimonio del Conservatorio,erano, come da lui stesso sostenuto, il quotidiano viatico per la sua anima "dannata"... L'imput espulsivo di un sacro fuoco interiore...
E intanto disegnava, disegnava... non volendo rischiare di perdere nemmeno un attimo di "quella impellenza" che lo prendeva sopratutto, quando al calar della sera, con quotidiana regolarità, l'acido singulto di una civetta, sono sicura, gli piaceva pensare, sempre la stessa, dava il suo funebre addio al giorno appena trascorso... E scriveva... scriveva... odi alla vita.
Ma... come dice il Collodi, e non solo lui, nella vita c'e' sempre un... ma! Ignorando la sua inclinazione per l'Arte, gli fu imposto di frequentare il Seminario, con la precisa intenzione di farlo diventare prete.
Interminabili anni di tortura! Prima a Colle di Val d'Elsa, poi a Siena e quindi in due seminari a Napoli.
Ma dopo dieci lunghi anni, al culmine della sua preparazione sacerdotale,gettò l'abito alle ortiche!
Cominciò così un nuovo percorso: errabondo, senza meta e senza alcun punto di riferimento!
E tra uno sbaglio e l'altro, tassello per tassello, cominciò a costruire quella che sarebbe dovuta essere la sua nuova vita.
Conseguito il diploma dell' Istituto d'Arte, si diede all'insegnamento di materie artistiche; mai tralasciando la sua primaria attività: disegnare, dipingere, scrivere.
Le tematiche?... La musica. La gioia. Il dolore. L'amore. la vita... sempre all'insegna di una viscerale sensualità e raffinato masochismo. costanti emozionali della sua creatività in fieri.
Mai lo abbandonerà il ricordo struggente dei particolarissimi momenti trascorsi in Conservatorio tra le storiche melodie e i grandi ritratti ad olio dei musicisti da lui amorevolmente restaurati.
E con l'inesorabile incalzare del tempo sempre più incalzante diveniva la sua voglia di realizzarsi come artista.
Ma... ricordate il famoso... ma? Dovette ripiegare sulla cosiddetta "pittura commerciale"!... Opere ed opere... destinate agli Americani! Unico espediente che gli consentì di allontanarsi dalla famiglia originaria e mettersi in proprio; finalmente libero d'essere se "stesso"!
Passò da uno studio all'altro; partecipò a qualche mostra collettiva, poi comune destino di ogni artista che si rispetti, finì a percorrere, selvatico lupo, "quel" solitario sentiero in bilico tra realtà e immaginario, dai più comunemente definito "del perdente"

Col tempo, com'è l'uopo, il suo linguaggio ha subito le sue naturali metamorfosi senza nulla togliere ai complessi, raffinati contenuti.
Protagonista eccellente del cospicuo bagaglio espressivo di Luigi Laugelli: il "pianeta donna", a cui lui, instancabile, settecentesco menestrello, continua a rivolgere le sue accorate invocazioni e lezioli lazzi, magistralmente barattando spazi e tempi dell'oggettivo reale con i propri dell'onirico-soggettivo, operazione intellettivo-emozionale che pur complessa, gli riesce fluida e naturalmente congeniale, ancora oggi nella sua non più "verdissima" età.
Non credo si possa mai mettere la parola "fine" a quanto si voglia dire di tale, magistrale "istrione" della comunicazione.

Nato a Napoli il 17 maggio 1960, Ennio Montariello si diploma presso il Liceo Artistico di Napoli.
Si diploma, poi,agli Stages internazionali di pittura di Anacapri (Na), tenuti nel 1982 e 1983 da Gillo Dorfles, Joe Tilson, Gianni Pisani, Enrico Baj e Giulio Carlo Argan.
Nello stesso anno consegue il diploma di laurea del corso di pittura presso l’Accademia delle Belle Arti di Napoli.
La sua visione critica dell’arte, a 360 gradi in ambito filosofico, psicologico ed estetico, lo porta a frequentare corsi tenuti da personalità di rilievo mondiale.

Nella sua formazione artistica si interessa alla lezione rinascimentale e al Caravaggio ,ma la sua ricerca passa attraverso anche percorsi concettuali e surreali.
L’evento fondamentale e “potente” nella sua vita di artista è l’incontro con la Scuola internazionale di OntoArte, negli anni Ottanta.
La corrente artistica dell’OntoArte , il cui fondatore e caposcuola è l’Accademico Prof. Antonio Meneghetti, si caratterizza come movimento di pensiero con cui si indicano tutte quelle manifestazioni artistiche che si motivano sempre dalla intenzionalità ontologico-umanistica,intesa come il formalizzato apriorico del nostro esistere.
Il riconoscimento della novità del messaggio e dell’apertura di pensiero che la scienza ontopsicologica sottende e suscita, lo induce ad approfondirne lo studio sia sotto il profilo teorico sia in prima persona che come artista.

Nel 1989 consegue il diploma di OntoArte in disegno e pittura e diventa, nel 1992, consigliere dell’Associazione Internazionale di OntoArte.

Nei primi anni ’90 si dedica ad un ‘arte più vicina all’informale ,per convergere poi, in seguito ,in una pittura più figurativa che condensa tutte le sue esperienze artistiche e che tende all’esaltazione del bello come perfezione dell’anima; quindi una sua visione dell’infinito.

Come ricercatore, collabora con diversi enti e partecipa a numerosi congressi internazionali.

Come artista perfeziona diverse mostre personali e collettive sia in Italia che all’estero:
Tokio, Rassegna C.E.I.C.; Los Angeles,Rassegna C.E.I.C.; Brescia,Palazzo Comunale; Napoli,Galleria Dehoniana; Napoli,Castel dell’Ovo; Napoli,Maschio Angioino; Avellino,Biblioteca Comunale; Torre del Greco,Galleria Mediterranea; Verona,Galleria della Bra; Pescara, Sale Ex-Università; Trieste, Castel S.Giusto; Innsbruck, Galleria Villa Falk ; Latina, Galleria A.Manunzio; Baschi, Palazzo Comunale; Roma, Associazione VirgoArte; Pietralunga, Casa Paolucci.

Nel 1996 fonda l’Associazione culturale “Progetto Arte” e tiene corsi sulla creatività in tutto il territorio italiano.

Nel 1999 apre in Umbria una scuola teorico-pratica d’arte.
Parallelamente alla sua ricerca espressiva, il suo lavoro recente è caratterizzato dalla realizzazione di numerosi ritratti e opere per committenza privata.

Nel giugno 2003 ,in occasione della Giostra della Quintana di Foligno , realizza la cartolina d’autore per il Rione Morlupo riscuotendo notevoli consensi di critica e di pubblico.
Attualmente è titolare della cattedra di discipline pittoriche presso l’Istituto statale d’arte di Terni.
L’esposizione permanente dell’artista è nel suo studio d’arte a Borgo Trevi (Pg).

Si sono interessati di lui, tra gli altri:
M.Buonomo, A. Di Francesco, G. Grassi, R. Mauro, A. Meneghetti, A. Montano, A.Piccirilli , G. Romano, V.Sgarbi, M. Vitiello.

Recensioni:
Corriere dell’Umbria, Ischia Express, Il Nuovo Veronese ,Arena di Verona, Il Mattino, Gr2, FuoriCampo, Il Tempo Latina, Napoli City, Eco d’arte di Firenze , La Nazione.

Info: www.enniomontariello.it

Luca Tieri, illustratore, character e concept designer, ci presenta il suo lavoro e il suo ultimo libro. Furia, è la caratteristica principale delle sue matite sporche. E' ossessionato dalla linea che diventa vorticosa, si curva e fluisce in maniera dritta. Colori forti che restituiscono ai personaggi la loro personalità e alle cose che li circondano la loro funzione più banale e pop. Poppeggiante e di facile presa, ecco la sua "roba".

www.lucatieri.com

Fabrizio Trotta, nasce a Paola il 20 ottobre 1973, dove attualmente vive e lavora, dopo una lunga esperienza musicale e artistica a Milano.
Ha una formazione irregolare, si è laureato in Informatica, diplomato in Tecnico del Suono, ma ha orientato la sua vita sin da giovane alle varie modalità di espressione artistica.
Dopo un passato da produttore e arrangiatore musicale, i cui brani sono stati pubblicati anche da Case Discografiche quali Emi e BMG, la passione per la pittura nasce improvvisa sotto l’influenza di Maestri Contemporanei, ed immediata è la trasposizione di questa su tela con caratteri e toni che distinguono sin da subito l’emergente artista.
Ha sfruttato Internet come mezzo veicolare di diffusione e vendita delle sue opere, riscuotendo notevole ed immediato successo tra il popolo delle rete e collezionisti di spessore. Le sue opere si trovano in collezioni private in Italia, Inghilterra, U.S.A., Belgio e Svizzera.

Artista eclettico che rifiuta stereotipi e schematismi estetici per dare spazio alla fantasia e alla sperimentazione, anche sul piano tecnico.
Traduce in pittura una sensibilità acuta e vibratile, spesso impalpabile. Nel suo lavoro combina tecniche e materiali con vivace spirito creativo, il cui risultato è un codice narrativo personale che punta a materializzare sulla tela attraverso colori, materia e scomposizioni picassiane l’io profondo dell’artista, allegro ma sempre e comunque irrequieto.
Egli inventa le sue tecniche e modella o inserisce la materia lasciando sempre la sua impronta personale, che rende difficile una sua catalogazione critica definitiva.
L’ ebbrezza cromatica adagiata su ruvide sporgenze materiche, cosparse di elementi brillanti e disposte a creare composizioni armoniche, come magma in movimento, è uno dei principali veicoli di comunicazione visiva delle sue emozioni, del suo inconscio, rendendo lo stesso quasi afferrabile.
Nelle sue tele esplodono forme e colori, o meglio "idee", che creano con il fruitore una fitta rete di apporti e di ricezioni, un'osmosi costante di concetti che riportano alle eterne e dialettiche forze che dominano l'esistenza di ogni essere umano: la gioia e il dolore, la calma e la passione, il buio e la luce, la vita e la morte.
Nella nuova serie a sfondo musicale "STRUMENTI E-MOTIVI", all’intuizione di Picasso, di cui segue le modalità di scomposizione dei piani sulla superficie del quadro, l’artista associa la tridimensionalità, portando su tela lo strumento scomposto, sezionato, dipinto e inglobato come anima pulsante dell’opera, che oscilla tra vivacità ed eleganza.
Generando fantasiose scansioni ritmiche dello spazio attraveso l’applicazione di sezioni dello strumento (violini e chitarre), su un lento, musicale, ondulato e increspato supporto materico, l’artista con ampie, veloci, sfrangiate pennellate imprime alla staticità della massa quasi un vertiginoso dinamismo nel cosmo interiore.
Usare la parola ritmo, che pur appartiene ad un'altra arte, non è casuale; l'artista ama la musica, dipinge "in Musica", rendendo disponibile il suo diario poetico per farlo diventare anche specchio di chi guarda il quadro, riempiendo le tele di emozioni che parlano ad ognuno con voce diversa, e il soffermarsi ad ascoltarle rappresenta il suo traguardo raggiunto.

Cuzco

Pittrice .....
Pittrice che opera nell'ambito di una ricerca puramente astratta ,tesa verso un valore assoluto e ideale .Le sue opere rivelano un animo sensibile ed attento .Gli accorgimenti tecnici costituiscono un elemento di sorpresa ,sono accorgimenti ,insoliti ,singolari ,preziozi e rari ,celati da un sottile velo di mistero .Un linguaggio quello di Cuzco che si realizza su toni cromatici di estrema purezza ,frutto di una tecnica personale ,con cui riesce a comporre forme armoniose ed impensate .I colori non sono mai abbandonati ad un arbitrio impulsivo ,bensi 'organizzati secondo una logica compositiva .La sua pittura ,legata alla rapidita' e alla sincerita' esecutiva ,e' rivolta verso l'osservazione del suo mondo interiore .Possiede inoltre una sua peculiare sensibilita' che le consente di ottenere equilibrati giochi di forme misteriose che sovente raggiungono effetti di una eleganza raffinata .Le sue scelte cromatiche ,nonche' le sue vibrazioni tonali ,creano armoniose e piacevoli melodie ,soffuse di misteriose risonanze interiori .I suoi lavori promuovono il bisogno di essere avvicinati ed esplorati minuziosamente nel loro dettaglio .Inventa soluzioni espressive sempre diverse anche se sullo stesso tema .Mi sembra ,quindi ,di poer affermare che per Cuzco lo scopo fondamentale e' quello dell'armonizzazione estetica dei rapporti tonali che hanno il preciso scopo di ottenere un chiaro linguaggio pittorico con il quale poter comunicare agli altri il proprio sentimento .Le sue capacita' ,senza dubbio ,lasciano presupporre l'attenzione del pubblico piu' sensbile nonche' della critica piu' qualificata.

Critico Nino Villanti

Angelo Mazzoleni nasce a Firenze il 7 Giugno 1952.
Trascorre l'infanzia parte in Toscana, parte in una località montana bergamasca.

Paesaggi ed immagini diverse ma accomunate dalla presenza di una realtà naturale ancora incontaminata e che costituirà il substrato della sua personalità fantasiosa ed eclettica venata di silenzi e di dimensioni spesso introspettive. Laureatosi in lettere a Milano, inizia l'insegnamento diviso nei suoi interessi tra l'amore per la storia e la letteratura e la pittura, coltivata già negli anni giovanili sotto la guida di alcuni maestri e in parte attraverso la frequentazione di corsi presso l'Accademia Carrara di Bergamo.

In questi anni, partecipa prime mostre di pittura in Lombardia ed in altre regioni italiane. Alcuni viaggi, in particolare in Germania ed a Parigi, arricchiscono il suo bagaglio artistico-culturale e ne influenzano la prima parte dell'attività pittorica.

Si interessa inoltre di paleontologia, scoprendo in particolare alcuni reperti fossili importanti, donati ai musei di Milano e Bergamo, tra cui un erionide di un genere ancora sconosciuto ed al quale è stato dato il suo nome nelle relative pubblicazioni scientifiche.

L'interesse per il mistero del passato, per la storia, soprattutto primitiva nelle sue dimensioni ancestrali, è uno degli altri elementi caratterizzanti la sua ricerca anche nel campo della pittura, prima della scoperta della fondazione del nuovo gruppo-movimento "Neosincretico ".

In ogni caso, si tratta di percorsi paralleli e coerenti, pur nella varietà dei temi e delle tecniche proposte dall'artista negli anni, essendo unificate da un elemento chiave: l'indagine del significato più profondo dell'origine della vita nelle sue diverse forme.

Il percorso evolutivo dell'artista è contrassegnato da una variegata e personalissima ricerca delle origini del mondo delle sue forze vitali attraverso tre periodi principali:

                    A Cura Di P. Librizzi

Info: www.igorverrilli.it

Nato a Napoli il 27/09/1978.
Residente a Napoli in Vico S.ta Caterina a Formiello 7°
Email : davide.stasino@fastwebnet.it
2003-Laureato all’ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI NAPOLI,presso la cattedra di Pittura del Prof. GIANNI PISANI.con una tesi in Mass-Media; dove affronta i problemi della comunicazione occidentale e della cultura di massa.
2005-abilitazione all’ insegnamento in Arte e Disegno.
2007- Biennio Specialistico in ARTI VISIVE , presso l’ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI NAPOLI.

Info : http://www.equilibriarte.org/eqmember/1678

Nato a Castellammare di Stabia nel 1970 (NA)

Principali mostre personali:

2006

Federico Lombardo, Galleria Bonelli Arte Contemporanea, Mantova

2005

Lavami il viso, Franca Pezzoli arte contemporanea Clusone, Bg
Federico Lombardo, Galleria Pittura Italiana, Milano

2004
L'uomo splendido, Arte al contrario, Modena

2003
Federico Lombardo, Bonelli Arte Contemporanea, Mantova

2002
Acquerelli, Galleria De March, Legnano (Mi)

2001
Galleria Nuova Artesegno, Udine

2000
De March Solbiati arte contemporanea, Legnano (Mi)

1999
Immagini di donna, Marazzani Visconti Terzi Arte, Piacenza

1998
Nuove identità, Marazzani Visconti Terzi, Piacenza

Principali mostre collettive

2007

Il presente è un segreto, Galleria Allegretti Arte contemporanea, Torino

2006

Feedback, Belvedere di San Leucio, Caserta

2005

Those misunderstood Seconda Università degli Studi Di Napoli – Capua (Ce)
Jingle bells! Ass. Contemporaneamente, Milano
Donne- Galleria Barbara Maheler Lugano/Svizzera

A flor de piel, Mito Galeria, Barcellona
Rostres Canem gallery Barcellona Spain

2004

Viaggio in Italia, Castello di Malaspina, Massa Carrara
Dinamiche del Volto Gallerie di Palazzo Ducale, Pavullo nel Frignano (Modena)
Italy Faces Galleria Traghetto, Venezia
L'arte e lo studio la collezione 2004, Museo di Palazzo Poggi, Bologna
Svestiti e usciamo, Gruppo Sabatini, Cadriano (Bo)

2003

KERMESSE, Palazzina Liberty, Milano
Beel, Guida, Lombardo d'AC Museo d'Arte Contemporanea di Ciampino
Mito Contemporaneo Futurismo e oltre, Basilica Palladiana, Vicenza
Italian Factory, La Nuova scena artistica italiana, Evento nell'ambito Della 50 Biennale di Venezia, Istituto S. Maria della Pieta, Venezia;
Parlamento europeo Strasburgo; Promotrice delle Belle Arti, Torino;
Nel corpo dell'immagine XXXVI premio Vasto, Vasto (Ch)
Specchio, Galleria Guidi e Schoen, Genova
Tattoo Bonelli Contemporary art, Mantova
Occhio!, Ex Macello , Benevento

2002
Premio Lissone, Lissone (Mi)
D'Italia, Galleria d'arte moderna e contemporanea di S. Marino
Figuralia , Galleria Annovi, Sassuolo (Mo)

2001
V Biennale del SharJah, Emirati Arabi
Young Art, Cartiere Vannucci, Milano
Premio Cairo Communication, La Posteria, Milano

2000
Sui Generis, PAC, Milano
Ring, Montecchio Emilia(Re)
Patty Pravo come un angelo da collezione, Villa Caruso, Firenze

1999
Tre modi di essere donna, Galleria In Arco, Torino
Il nuovo ritratto in Italia, Spazio Consolo, Milano

Info: http://www.federicolombardo.net/

ENZO CAMPANINO

Le opere che compongono la mostra "Doppio femminile", esposte a Napoli, nella Sala della Loggia a Castel Nuovo, dal 7 al 23 giugno, rappresentano l’ennesima felice esplosione di un’artista, Romy Nardi, impegnata da tempo in una strenua e totalizzante ricerca intorno al proprio "Io".
I sette oli su tela di medio e grande formato, le quattro stampe fotografiche su ilfoflex e i vari collage-matrice costituiscono i frammenti di un puzzle mai perfettamente combaciante, specchio di un’identità, personale e collettiva, vacillante, messa in pericolo e stritolata dai doveri e dai ruoli socialmente imposti. Si manifesta così, attraverso gli interstizi della coscienza, un "Io" dilaniato e in lotta con se stesso e contro le sue tante nature, sempre sfuggenti e mai del tutto definite.
Nelle opere di Romy Nardi sono evidenti la rabbia, la voglia di dire basta, ma anche un desiderio inconscio di serenità. Non è un caso, quindi, che il suo tratto pittorico, negli ultimi tempi, sia divenuto meno denso, quasi diluito, mostrando un’inedita attenzione verso le sfumature e i particolari.
Il tema del "doppio", dell’ambivalenza, dell’ambiguità, dichiarato sin dal titolo, pervade totalmente le opere in esposizione, proiettandosi perfino al di fuori di esse e contaminando l’allestimento stesso. Vi è un’esplicita volontà di sottolineare il contrasto tra i lavori più frementi e disperati – come "Forze", "Catastrophe" o "Stratificazioni" – e le grandi tele a olio – come "Sensi" o "Senza filtro" – dove l’adrenalina si stempera, lasciando posto allo smarrimento, ai dubbi silenziosi e al mistero. L’intenzione è quella di spingere il visitatore a guardarsi dentro, a specchiarsi, a fare i conti con se stesso e con l’altro da sé.

Info: http://romynardi.blog.tiscali.it/

Alexander Sadoyan was born in 1954 Yerevan, Armenia. In 1975 he graduated from Terlemezian Art College of Fine Arts. Sadoyan participated in more than 50 exhibitions and his works were sold in numerous auctions. Today, his works can be found in private collections throughout USA, France, Germany, Canada, Russia, Switzerland, China, Norway and Lebanon. Since 1990 he is a member of the Artist’s Union of the Republic of Armenia. In 1995 he was accepted as a member of the International Association of Arts at UNESCO. Since 1996 Alexander resides in Los Angeles, California. He continues to create vigorously and actively displays his paintings at personal and group exhibitions.

I paint forms and shapes to convey energy and spiritual condition. The colors and rhythms become the theme. The images are put together in a dreamlike sequence to reinforce the realty of metaphysical world. Forces of nature and mysterious inner life of mankind are themes that have been constant in my work. My paintings are inspired from the human life in conjunction with landscape of nature's abstract color-forms. With association of color and shapes, I strive to communicate my feelings and convey inner-personal emotions.

Neanche, neanche adesso, neanche ieri, neanche mai. Scenari paralleli alla realtà odierna. Questione di tempi, di riletture, di riscritture identitarie. Essere qualcuno, essere chiunque, essere se stessi nelle vesti dell’altro. neanche questo, neanche quello. Adoperarsi al racconto, tendersi alla storia, a quella vera, nascosta, quotidiana. Essere vittima, essere persecutore, avere vent’anni, averne quaranta. Rifiutare il mascheramento, adoperarsi alla riorganizzazione identitaria. neanche, niente di tutto questo, il contrario netto. neanche assiste la negazione, la rafforza, genera sussistenza allo smembramento del palinsesto vero o presunto tale. Di colpo, neanche, taglia qualunque verità o qualsiasi inganno. Io sono ciò che vedo, colui che si riflette nella camera memoria, ne sono certo. Indago, rivisito, identifico me stesso nell’immagine iconica dell’epoca. Ne sono certo, sicuro, non ho dubbi, sono il gerarca impassibile, l’impiegato irreprensibile. Tutto vero, tutto assodato, punto. Non è vero, neanche questo, l’identità acquisita decade, si frantuma al suono dell’ennesimo neanche. Tutto destabilizzato, tutto smembrato in un istante per lasciare spazio all’identità prossima. Adesso sono il persecutore, ne sono certo, indago, faccio mio ciò che non mi appartiene, posseggo l’anima e le cose. Sono convincente, impossibile non credermi, lavoro minuzioso, lavoro di precisione, ben fatto. Di colpo, neanche, mi sveste riidentificando tutto, un minuto, un secondo. Sono l’esatto opposto, il preciso contrario, la vittima, il debole, l’oppresso conosciuto. della camera memoria, oggi, adesso. Sono il persecutore, il gerarca perfetto, sono parte dell’archivio fotografico dello sgomento. Imperfetto uomo, perfetto boia, le mani, gli stivali, il cappello a protezione, nessuna svista, nessuna imperfezione, icona del torto. Entro a pieno titolo negli schedari fotografici della storia recente. Mi inserisco, senza forzature, negli archivi dello spietato quotidiano. È questa parola, il suo suono, la sua forma a fare da spartiacque tra questa e quella identità, tra questa e quella verità, tra questa e quella menzogna.

MARCO NATALE
VIA F. M. BRIGANTI, 396
80141 NAPOLI
marconatale1975@libero.it
info1975@libero.it

phone: 0817803885 - 3383258611
www.marconatale.net

Mary Cinque

2001 Diploma in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. Tesi in Storia dell’arte (relatore prof. Massimo Bignardi) dal titolo: "Materiali per una storia della grafica in Campania" ,110 e lode.

1996 "Maturita` Classica", 56/60, Liceo Classico, Amalfi.

1981 – 1992 Studi presso Scuole italiane tra Pompei e Addis Abeba (Etiopia).

Mostre:

Mostre collettive:

2006 14 x 1 Quattordici artisti per un anno, Associazione culturale In Form of Art, Napoli.

2005 Notes Villa Rufolo, Ravello.

2005 Ladyfest Italia S. Maria Capua Vetere (CE).

2002 Anatomie Accademia delle Belle Arti di Napoli, in occasione del 250° Anniversario dell’Accademia.

2000 C/arte Accademia delle Belle Arti di Napoli.

1999 Il sentiero degli dei. Documenti ’99 Agerola.

Mostre personali:

2005 E’ pericoloso sporgersi presso MANIDESIGN, Centro Antico di Napoli

2001/02 Recensioni di mostre ed eventi d’arte per Il Roma, Salerno.

2006 Membro dello staff "Studio Graphein " per le mostre in programma per il 2006.

2005 Curatore scientifico della mostra Muri Parlanti - il manifesto in Campania FRAC Fondo Regionale per l’Arte Contemporanea, Assessorato alla cultura del Comune di Baronissi (SA).

2004 Collaborazione con la Fondazione Morra, Napoli.

2000/06 Freelance designer: websites, pannelli didattici, CD covers, posters, promozione pubblicitaria.

2005 Collaborazione alla progettazione e all’allestimento degli stand: Comunità Montana Penisola Sorrentina e Monti Lattari, B.I.T. di Milano; Parco dei Monti Lattari, Parchinfiera (Mostra d’Oltremare, Napoli).

1998 / 2005 Freelance interior decorator: mosaici, murales, decorazioni su vetro e legno.

marycinque@hellokitty.com

http://spaces.msn.com/marycinque/

Carlo Alberto Palumbo, nato a Napoli il 05\10\1976.

Diploma di maturità artistica nel 1997 presso il Liceo Artistico di Napoli. Diploma di laurea in Pittura nel 2003 presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli con il maestro Raffaele Canoro.

Le sue opere sono trattate in Italia dalla Capri Art Gallery ( www.capriartgallery.com ) e dalla In Form of Art ( www.informofart.it ) a Londra dalla Kings Road Gallery ( www.kingsroadartgallery.com ).

Recapito: via Poggio Vallesana, palazzina Edera, scala B; c.a.p 80016 Marano di Napoli(NA)

tel. 0817420921, cell. 3498869074

e-mail:macarl8@libero.it

Esposizioni collettive

Inciso - Accademia di Belle Arti, Napoli

2002 Aure corporali - Sede della Pro Loco, San Giorgio a Cremano (NA)

Anatomie - Accademia di Belle Arti, Napoli

Prova d’ autore: Forme di fiaba - Associazione Roberto Boccafogli – Onlus, Milano

Porticato Gaetano - Istituto G. Mazzini, Gaeta

Come Tradizione - Chiesa SS.Assunta, Quadrelle (AV)

2003 Occhio a Pinocchio - Liceo E. Amaldi, Bitetto (BA)

Invenit, Incidit, Impressit - Accademia di Belle Arti, Napoli

L’emergente - Centro polifunzionale, Supino (FR)

Inmostra - ArtèNot - Centro storico, Quadrelle (AV)

Visioni possibili - I° estemporanea di pittura - ArtèNot - Centro storico, Quadrelle (AV)

Esposizione collettiva - Galleria "Il Diapason", Napoli

2005 tretrentaxtrenta - Galleria "Spazio Arte", Napoli

RIPARTE [Napoli] - Hotel Excelsior, Napoli

AISTE’ - Palazzo dei Trinitari, Roma

In forma di figura - Galleria "Spazio Arte", Napoli

Concordes animo - Galleria "Il Diapason", Napoli

Concordes animo - ArtèNot - Centro storico, Quadrelle (AV)

Invenit - Castel dell’ Ovo, Napoli

OltreFrontieraartivisive - Club Nautico, Gaeta

13x17 - San Severo al Pendino, Napoli

Modi Orandi Sancti Dominici - ArtèNot - Centro storico, Quadrelle (AV)

XL - ArtèNot - Chiesa SS. Assunta, Quadrelle (AV)

Modi Orandi Sancti Dominici - Casina Pompeiana, Napoli

Esposizione in occasione del concerto di apertura della stagione concertistica autunnale

della Nuova Orchestra Scarlatti "MusicaoltrelaMusica" - Auditorium RAI - Napoli

Giovanissimi - Accademia & Conservatorio verso un Politecnico delle Arti - Accademia

di Belle Arti, Napoli

13x17 - Teatro del Nuovo Montevergine, Palermo

1° Expo Arte Mediterraneo - Cosenza Fiere, Cosenza

Slim - Galleria "Il Diapason", Napoli

2007 Esposizione in occasione del Concerto di Capodanno della Nuova Orchestra Scarlatti -

Gregory Magnuson Illustration

This blog features portfolio pieces made by Gregory Magnuson. Gregory is currently an MFA illustration candidate at the Academy of Art University, San Francisco. His driving ambition is to make children's book art. Contact Gregory at gmagnus78@hotmail.com.

http://magnusonillustration.blogspot.com/

Angelo Vaccarella nasce a Napoli il 19 giugno del 1958. Segue il Cammino Neocatecumenale dal 1980, esperienza che ha fortemente segnato la sua vita, facendolo interrogare sul senso della vita, sull'esistenza, e portandolo all'incontro con Gesù Cristo. Da allora, quasi naturalmente si avvicina all'arte sacra. Sposato dal 1988 con Mariarosaria, ha quattro figli (Valentina, Cristina, Maria e Simonpietro). Ha fondato e dirige, nella sua città, un laboratorio d'iconografia. Le sue opere sono presenti in diverse chiese italiane e nel mondo. Ha già all'attivo diverse mostre in tutta Italia e all'estero. Autore di diverse pubblicazioni sull'iconografia, collabora come giornalista pubblicista con il settimanale diocesano della sua città: "Nuova Stagione".

www.arteikon.it

Anno 1963 Si diploma al Liceo Artistico Statale Di Roma di via Ripetta.

Anni 1964- 68 acquisisce per esami l’abilitazione all’insegnamento del disegno e storia dell’arte nei licei scientifici, istituti magistrali e scuole medie ottenendo successivamente la cattedra di ruolo di docente di educazione artistica presso le scuole medie statali che terrà fino al 2005 con 40 anni di servizio durante i quali darà vita a vari laboratori di pittura, arti applicate, scenografia, costume ecc.

Negli anni ’70 – ’80 si avvale anche di esperienze di grafica pubblicitaria presso uno studio privato a Napoli

Negli anni ’80 –’90 si dedica alla "DECORAZIONE con MURALES" di pareti di locali pubblici napoletani con vari stili e tecniche : dall’acrilico al collage e decoupage.

Nel 2005, si iscrive alla Scuola Libera del Nudo presso l’Accademia d’Arte di Napoli frequentando , a tutt’ oggi, i corsi di disegno, pittura e arti incisorie.

Mostra di fine anno accademico presso la galleria Giosi di Napoli

Ottiene il 4° premio ex aequo all’estemporanea di pittura: " MERAVIGLIE E MISTERI DEI VICOLI DELLA NAPOLI ANTICA proposta dalla FNISM ( federazione nazionale insegnanti) sotto il patrocinio del Comune di Napoli e Provincia.

Mostra "NAKED" di pittura e arti incisorie dal 2 – 9 Aprile a villa Signorini con il patrocinio per i beni e attività culturali del Comune di Ercolano ( Na. )

Partecipa alla mostra itinerante 13 x 17 di "Padiglione Italia" con opera successivamente selezionata e finalista a Murano presso il Berengo Studio con inaugurazione Sabato 9 giugno 2007 presentata da Philippe Daverio. In concomitanza della 52° Biennale di Venezia. L’opera è inserita in catalogo Rizzoli e fa parte delle 1000 riprodotte nel volume in vendita nelle librerie dal 3 novembre 2007. La collezione intera verrà donata alla Fondazione della Cassa di Risparmio di Bologna per il costituendo Museo della Città.

Il 21 Settembre Partecipa alla Rassegna "In Arte… tango" presso la sala Carlo V del Maschio Angioino di Napoli con il patrocinio della Regione Campania e Comune di Napoli.

TV. De forma By Art di Bologna   

Partecipa alla collettiva promossa dall’OFFICINA CREATIVA LINEADARTE per la" II cava di santa Barbara" il "Santa Barbara free and open project"

www.equilibriarte.org/volerevolare

Jeune artiste français, Christophe Mourey réalise des happenings graphiques d'un nouveau genre. Il dessine au stylo Bic des objets ou des portraits qu'il donne ensuite aux visiteurs. Il a aussi entrepris un vaste travail "d'inventaire selectif du monde".

Enfant, Christophe se disait qu’il serait le plus grand dessinateur du monde. Aujourd’hui, il comprend mieux cette ambition, qu’il interprète comme "réaliser un inventaire sélectif du monde". Curieux de tout, ce jeune artiste, vous regarde droit dans les yeux, vous écoute avec attention et vous parle avec une grande douceur.

Depuis quatre ans, il a initié un genre de happening graphique original dans lequel il dessine devant le public et pour le public. Il croque des objets, comme à Fécamp lors de la manifestation Fécamp Stories - Les objets font la ville, ou des portraits, comme à la Libreria Bocca à Milan en 2005 ou à la soirée de Noël de Milan Accueil. Il donne ses œuvres au public après les avoir scannées.

L’utilisation du marqueur et du stylo Bic, de quatre couleurs, le pousse à l’essentiel, sans tomber dans la caricature.

Le résultat est plein de finesse, de légèreté et de profondeur. "Mes dessins ne sont jamais fidèles, dit-il. Je cherche avant tout à capturer une émotion."

En tant que dessinateur du monde, Christophe Mourey met en forme un véritable atlas. L’année dernière, il a passé presque toutes ses matinées au Palazzo Cusani (Milan) pendant six mois, pour voler des détails de la façade, de l’intérieur et du jardin du palais. Il consacrait une petite heure à chaque dessin, toujours au marqueur.

Diplômé de l’Académie des Beaux-arts de Rouen, il vit et travaille entre Paris, Naples et Milan. Aujourd'hui, il habite à Naples, une ville "effervescente et créative" dont est originaire sa compagne. Il continuera son inventaire du monde, pourquoi pas dans la forêt, dans une maison de repos, dans une banque ou un bateau

Il a pour projet de faire sortir le dessin de l’atelier, en diffusant en direct les images de sa main et de l’œuvre en cours, dans une galerie ou un lieu public, en proposant aux visiteurs d’imprimer les représentations de leur choix.

20, Avenue Gustave Pereire
77330 Ozoir la Ferrière - France
tel. : (0039) 3470325382
e-mail : hmourey@yahoo.fr

Via G. Marconi 107
80030 Mariglianella (NA) - Italie
cell. : (0039) 3407743311
e-mail : rosariadonofrio@libero.it

Eduardo Albano

Pittore e grafico, vive e lavora a Napoli, la sua città natia. Giovanissimo, appena conseguito il diploma presso l’Istituto d’Arte di Torre del Greco ha cominciato ad operare affermandosi col consenso della critica e del pubblico in campo nazionale e partecipando, su invito e segnalazione ad importanti mostre estere.

Recensioni

Tra le personali piu’ significative per la sua carriera ricordiamo:
<< Amori e cavalieri >> Pan Art Roma 19
<< Il segno rampante >> Arte club 79 Torre Annunziata, Napoli 1980
<< Fantasie d’altra città >>, Circolo Sociale, Caserta 1981
<< Cavalli e cavalieri >> La Bilancia, Napoli 1983

Ha tenuto altre personali, non tematiche a Salerno, Roma, Como, Messina ed ha partecipato, tra le altre, alle collettive: Linearte 77, Quale Dimensione 1978, Arte Sacra 1980, sempre a Napoli, mentre teneva mostre a Potenza, a Macerata, Avellino, Roma, Palermo. Tra i critici che si sono interessati della sua arte si citano: C. Raiola, R. Traversa O. Valente, M. Maiorino, R. Fabbricatore, G. Matteucig, A. Calabrese.

 www.eduardoalbano.it/gallery_grafica_fl.htm

nasce a Napoli il 21 febbraio 1983. Fin da piccola ha mostrato attitudine al disegno. Cresciuta in un’ambiente creativo e grazie alle conoscenze pittoriche trasmesse dal padre, dopo alcuni anni di studio presso un liceo scientifico, intraprende studi artistici dove con attenzione e cura cercherà di carpire le varie tecniche esecutive, sperimentando ed esercitandosi per accrescere la sua manualità.

La sua passione per il disegno la porta a frequentare per tre anni la scuola di fumetto Comix di Napoli, diretta, dal docente in disegno presso l’Accademia di Belle Arti, Mario Punzo.

La sua indagine pittorica fonda nel figurativo concentrandosi nella forza del soggetto, nei dettagli di ogni particolare, nella forza dei colori dando espressione alla sua creatività. La curiosità la porta a sperimentare l’espressione scultorea e dell’incisione scoprendo in esse una passione pari alla pittura. Il suo obbiettivo è di quantificare i propri limiti e superarli là dove è possibile, ricercando uno stile proprio e personale.

Nel Novembre 2001 partecipa alla collettiva benefica "100 metri di tela per gli artisti" organizzata dall’associazione "Napoli Nostra" presso la Galleria Umberto I di Napoli.

Nel Giugno 2005 partecipa all’estemporanea "Viva Napoli" organizzata dall’associazione "Napoli Nostra", presso la villa comunale di Mergellina a Napoli.

Nel Maggio 2006 partecipa al concorso "fotografa il Maggio" organizzato dall’associazione "Il Chiostro", classificandosi tra i finalisti e la sua opera è stata esposta all’interno del complesso museale del chiostro di S. Chiara a Napoli.

Nel Marzo 2007 partecipa alla collettiva "Metamorfosi" organizzata dall’associazione culturale "Metamorfosi" presso lo United Club di Torino.

Nel Giugno 2007 partecipa alla collettiva "20x20" organizzata dalla officina creativa "Linea D’Arte" presso la loro sede in via Domenico Soriano a Napoli.

Nel Settembre 2007 partecipa alla collettiva "Angeli&Demoni" organizzata dall’associazione culturale "GIU-BOX Gallery" presso la loro sede al Vomero a Napoli.

www.gaiavittozzi.altervista.org

Education and biography

ACCADEMY of Beautifull ART
Naples Italy
Painting

-ISD Institute- Napoli Italy
Grafich Design and Digital Art

-Iperrealism Painting Technique- by Alexi Antonov in Moscow.


Experiences:
-Selected for Art Residence in Budapest 2004
Oby HMC Inc. di Dallas. Texas.
.
-Collective show title "Works from the Balatonfüred/Csopak International
Artists Residencies 1996-2006" Central European Cultural Institute
Budapest, Hungary, VIII. Rákóczi út 15. . Exhibition date: July 28 - August 15. 2006
Curators: Dr. Katalin Gellér, art historian and Beata Szechy, director of HMC
Inc Dallas Texas.

.Published Italian Art Prize "Premio Celeste" catalog 2004 and 2006. Curator Gianluca Marziani.

www.saatchi-gallery.co.uk/yourgallery/artist_profile//67540.html

http://www.auroracarluccio.it

nasce a Napoli il 29 maggio 1951.

Compie gli studi nella stessa città diplomandosi nel 1969 all'istituto d'Arte nella sezione Decorazione Pittorica e nel 1973 all'Accademia di Belle Arti nella sezione Pittura. Successivamente nel 1977 consegue il diploma di maturità di Arte Applicata ad Avellino nella sezione disegnatori di architettura ed arredamento. Vive e lavora a Napoli.
Gli anni dell’istituto d'Arte non lasciano un grande solco sulla sua formazione artistica. Piuttosto recalcitrante alle esercitazioni scolastiche, egli avvertiva, già allora, il bisogno di una più intima ricerca, poi sviluppata negli anni successivi.

Nel 1969 è tra i fondatori, con gli amici dell'Accademia di Belle Arti, del Movimento degli Eclettici, nato dall'esigenza di propagandare nel tessuto sociale urbano una serie di iniziative culturali, atte a scuotere la massa dall'avvilente torpore dell'ideologia dominante. Nello stesso anno parteciperà con il gruppo alla Ia mostra di Pittura del Movimento degli Eclettici, tenutasi in Via Duomo a Napoli con la collaborazione del Comitato Rionale dei Commercianti.
La sua adesione al Movimento non lo vedrà, però, mai sostanzialmente attivo, avvalorando peraltro quella sua riluttante posizione verso le esperienze di gruppo o la partecipazione di massa, già rivelatasi negli ultimi anni dell'istituto d'Arte che segnano l’attraversamento di una condizione di rivolta sociale nata dai movimenti studenteschi, ai quali egli non parteciperò mai con una militanza attiva.
Rimanendo fermo in una sorta di ripiegamento individualistico egli tenderà piuttosto ad interiorizzare i segnali di spinta provenienti dall'esterno, approdando ad una ricerca aperta a forme di matrice surrealisteggianti, indagate soprattutto attraverso realizzazioni grafiche. Nascono opere come Dante, Metamorfosi, Al lavoro, tutte del 1969 realizzate con inchiostro e penna su cartone.

Nel 1970 tiene la sua prima personale alla Galleria Editrice Edart di Napoli, a proposito della quale Paolo, Perrone scrive:
"... i motivi espliciti e cocenti, nell'elaborazione grafica di Giuseppe Panariello, trovano adeguata rispondenza nelle forme. Le quali sono essenziali e scarne, e puntano dritte all'individualità del tattilismo sia dei volumi che delle geometrie. Sono forme conchiudenti ed omogenee, che rivelano nell'artista esordiente il gusto di una sintesi evoluta e mobile: che pane da un contesto di vibrazioni surrealistiche di vaga radice espressionistica, e perviene al lampeggio magnetico oggettivo ed esplicito della realtà captata ed istintivamente proiettata".
Una ricerca cui non sono estranee le esperienze di Tanguy, Dali, ma anche l'influenza di certa letteratura boudeleriana approdante alle realizzazioni di lavori ad olio quali - La rnente ed il braccio già del 1966, Composizione, ii muro, del 1970 presentati poi in questo stesso anno al Sombrero di Napoli, ove sospesi in atmosfere irreali di paesaggi lividi, l’artista fa vivere filamenti e tracce di presenze umane, animali, vegetali. E il suo modo di attestare un sordo sentimento di solitudine e malinconia nei confronti di una realtà "tecnologica e disumanizzante" a causa della quale il mondo si ridurrà in "Esseri - suggerisce Vittorio Ascione - ancora con un barlume di vita, cangiati in masse tufacee, e membra di animali i cui visceri con squarci di lunghe ferite, nascondono segreti sogni di paure di orridi notti. L'uomo si torte e agonizza in un paesaggio privo di vita, e forse senza speranza di salvazione".

www.giuseppepanariello.it

Gennaro Della Pia

Nasce a Napoli nel 1952, fin da piccolo mostra una grande attrazione per l’arte, in particolare per la pittura, ed è proprio l’amore per questo che lo induce ad impararne tutti i segreti e le tecniche. Ma è a l’età di 33 anni che sente il desiderio della 3° dimensione, cimentandosi nel modellato in creta.
Si immerge in essa dedicandosi alla creazione di originali pezzi in terracotta policroma, come maschere della commedia dell’arte, in particolare pulcinella, animali, personaggi dei vecchi mestieri di Napoli. Ma la massima espressione della sua passione e creatività, la raggiunge, realizzando il presepe napoletano. Dopo aver acquisito esperienza in tale ambito è riuscito a far conoscere le proprie creazioni, essendo socio espositore "nell’associazione presepistica napoletana".

El tema que exploro en mi trabajo transita a través de la in finita relación entre el hombre y su entorno; encuentro de lo real con lo imaginario.
La figura humana pasa a ser , en estos espacios figurados , protagonista compartiendo la escena con elementos que podrían ser propios del cotidiano hogareño o de fantásticos escenarios.

Mis personajes están vestidos o disfrazados con atemporales ,coloridos y lúdicos ropajes que les ayudan de alguna manera a no develar su verdadera personalidad.

Son como actores representando un determinado papel en la obra y no pueden expresar sus propias emociones: Trapecistas y arlequines buscando el equilibrio montados sobre balones, cuerdas o bicicletas.
Elementos estáticos y dinámicos articulados en espacios evocativamente irreales.

Artista representado por www.montecatini.cl
Santiago- Chile

Info:

http://www.artelibre.net/ARREPOL/index.html

Mario Fortunato è nato a Napoli nel 1937.
Ha frequentato il liceo artistico ed ha studiato scenografia ed architettura. Ha insegnato "metodologia della progettazione per la grafica pubblicitaria" presso l'istituto statale d’arte "Umberto Boccioni" di Napoli. Pertecipa alla vita artistica italiana e internazionale dal 1956. Ha partecipato tra le altre alle seguenti esposizioni:

IX,X,XI,XII,XIII Premio Internazionale Dibuix Joan Mirò, Barcellona;

Premio Internazionale di Ostenda per la grafica;

Concorso Internazionale Pernod, Milano;

Mostra di grafica alla libreria Petofi di Budapest:

Concorso Internazionale di Grafica, Macerata;

Premio Internazionale di Grafica "Gubelkian", Oporto;

V e VI Rassegna della Grafica al Palazzo Reale di Napoli;

Rassegna d'Arte del Mezzogiorno, Palazzo Reale e Villa Pignatelli, Napoli;

Concorso Internazionale di Grafica "Brunellesco d'Oro", Firenze;

Mostra itinerante del Premio di Grafica J.Mirò in America Meridionale;

Ricognizione delle Avanguardie Artistiche dal 1950 al 1970, Milano;

Mostra "Opinioni contro nella Grafica" Napoli-Milano;

Personali in Italia, Stati Uniti (Bridgeport, Hartford, New York), Caracas, Città Universitaria di Merida (Venezuela), Stoccolma, Gotemborg (Svezia), Atelier Nord di Oslo.

Fondatore con G.A.L., Marcelloni, Tammaro ed altri del Gruppo Operativo SEI. Ha tenuto Lezioni Tecniche Grafiche presso l'Università Popolare di Napoli, Lezioni di Tecniche Grafiche a cura di RAI 3.

Hanno scritto di lui: Il Mattino, Il Giornale, Il Tempo, l'Arbetet Post, Hallands Nyeter, Halland Post, Lafkenberg Post, Gotemborg Post, Bridgetport Post, Telegram Post, Bridgeport Telegram, La Arti, l'Eco Internazionale delle Arti.

Nasce a Roma il 18 Luglio 1980. Fin da giovanissima è attratta dal fascino della musica e delle arti visive. Conseguito nel 1999 il diploma di maturità classica si iscrive all'Accademia delle Belle Arti di Roma, dove studia con i maestri Sandro Trotti, Costantino Baldino e Gianpaolo Berto.


Esposizioni ed altre esperienze:
Illustrazione del CD Didattico Multimediale "UN MONDO DI CARTE", editrice ASAL, Roma, 1999.
- Partecipazione alla rassegna pittorica "BOOLING ART", Roma, 2000.
- Partecipazione alla prima estemporanea di pittura "IL PAESAGGIO URBANO", patrocinato dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Testaccio ex mattatoio, il suo lavoro sarà tra quelli selezionati per il catalogo delle opere. Roma, Aprile 2000,
- Esposizione al museo "E. SANNIA", dove è presente in esposizione permanente una sua opera. Morcone (BN), Estate 2003.
- Partecipazione alla mostra "DISEGNO-ESPOSIZIONE", a cura dell'Associazione culturale GRANMA, presso il Centro Rialto, Via S. Ambrogio, Roma, Dicembre 2001.
11 Membro della Commissione Giudicatrice del concorso di pittura estemporanea "Città di Morcone", Morcone, Benevento, Estate 2002.
- Esposizione nella Collettiva "PACE" , a cura di Patrizia Ruggero, con presenza delle sue opere in catalogo, Piazza Risorgimento, Roma, Maggio 2003.
- Esposizione nella mostra "ROMA DEA E MUSA" presso la galleria Forum Interart, diretta da Nicolina Bianchi, Roma, Marzo 2003.
- Esposizione nella mostra "VOCI DELLA NATURA" presso la galleria Forum Interart, diretta da Nicolina Bianchi, Roma, Aprile-Maggio, 2003.
- Vincitrice della sezione pittorica del MARTELIVE, dove partecipa alle varie serate di estemporanea pittorica con una serie di ritratti dal vero. Roma, Primavera 2003.
- Esposizione al teatro Ateneo, Roma Giugno 2003.
- Esposizione e Performance al "VILLAGGIO SAPIENZA", Università degli Studi "La Sapienza" di Roma, Luglio 2003
- Esposizione in occasione del "PREMIO DI PITTURA CITTA' DI PIZZO", Pizzo Calabro, Vibo Valentia, Luglio-Agosto 2003.
- Partecipazione a "SUPERMERCADO DE ARTE", Palazzo Bigli, Milano, Dicembre 2003.
- Esposizione in occasione della "PRIMA ESTEMPORANEA" del Comune di Formello, Roma, Dicembre, 2003.
- Partecipazione alla mostra "GRAFFIO D'ARTISTA", curata da Paola Fede, Sala Tersicore, Comune di Velletri, Roma, Dicembre 2003.
- Partecipazione con opere di incisione a "FORME E PERCORSI SONORI: incontro tra incisione e musica", a cura del Centro per l'Incisione e la grafica d'Arte, Comune di Formello, Roma, Dicembre 2003.
- Performance artistica alla mostra "PROFUMO DI CAFFE'", presso il Caffè de Rossi, Albano Laziale, Roma, Dicembre 2003.
- Esposizione di opere ispirate ad "Alice nel paese delle Meraviglie" in occasione della rassegna "BALICART" patrocinata dal Comune di Roma e dall'associazione culturale Tina Pika Village 2

Info:

http://www.ilportaledegliartisti.it/categorie/grafici/giorgia_marzi.htm

Info:

http://www.ilportaledegliartisti.it/categorie/pittori/angela_raimondi.htm

'Young Ones Fall to the Rocks Below'
Acrylic on Canvas, 137 x 244 cm, 2006

David Hancock work concentrates on the notion of a 'Generation X'. He attempts to make palpable in his work the psychological gap between the world that we physically experience and the psychological states through which it is apprehended.

Hancock achieves this by choosing a semi-photorealist technique, yet he attempts to show a form of escapism, whether through youth subcultures or by directly referencing historical utopian visions. His paintings are drawn from a narrative base, which is supplied through a network of acquaintances and based upon real experiences. His technical virtuosity is captured on canvas with posed portraits of youngsters doing their thing in their own particular way. Through Hancock's paintings, anonymous kids become literary heroes and historical figures, transcendent through the large scale of the works.

His work is rooted in the tradition of Romanticism or the Victorian utopian visions of Ruskin, Morris and Pre-Raphaelitism. The signifiers are taken from historical works of art, sources and themes. These are suggested through the appropriation of composition, gestures or objects. In the use of paint, combined with a traditional method of realisation, as well as the choice for a large scale, these works claim a historical significance, elevating the status of the paintings, and subsequently transporting these works to an era when myth, symbolism and truth to nature were prevalent in art.

He chooses to create, however, a series of Urban Myths or contemporary moral tales. The photogenic aspect of his technique allows him to play with the viewer's notions of reality, drawing them into certain details embellished from the narrative. The result is a two-dimensional environment, which is created by tiny iridescent brushstrokes. This handmade, yet effectively computer-like effect allows the viewer to literally step inside the painting, or the matrix.

His work made around photographic images of youths provides a different window onto the world of growing up in the glare of our obsessive photographic reality. David Hancock documents a generation who wishes to believe in Utopia, but suffers from the knowledge of its decline. His work portrays a society that is unrealistic or unable to realize itself, through actual communities founded in attempts to create an ideal society. With his contemporary language he offers to his models to leave a statement and exist for eternity, in opposition to the Warholian affirmation of 15 min of fame.

Whilst Hancock's Generation X is still well and truly alive and eternalised in his work, his technique and ultimate aim is anything but nihilistic. On the contrary it reminds of the maligned and re-discovered works of Alma Tadema, which managed to hit a nerve despite being controversial at times.

Photo-realism is an agenda that is under discussion with a number of contemporary painters and, yet, is viewed from a critical distance, as if it was a blip of the Seventies. Ironically it was in the Seventies that Alma-Tadema's work was re-discovered as significant. Hancock's work is concerned with opening up the possibilities that exist at the juncture between painting and photography: using both mediums as part of a broader conceptual examination of the resonance between the cult of the individual and anonymity in todays media saturated world.

text by Melanie Moreau

Riccardo Albanese was born in Naples.

Lives and works between Naples and Luxembourg

Solo Show
2005
Stato d’animo, Changing Role , Naples
2004
Doganella Zoo, Changing Role, Naples

Group Shows

2006 Giardini Luoghi della piccola realtà Curated by Loran Hegyi Palazzo delle Arti Napoli
2005
"Cabinet des dessins n.2", (Mam- Musée d'Art Moderne Saint-Étienne Métropole)
"Napoli Presente. Posizioni e prospettive dell’arte contemporanea) curated by Lorand Hegyi, PAN, Palazzo delle arti Napoli
"Born Out", Giugliano (NA), a cuira di Simona Barucco
2004
"Incursioni Vesuviane" in Utopia Station, Mostra D’Oltremare, Napoli
2002
Pangea Arte Contemporanea, Angri, Naples
1998
Fagianeria del Real Bosco di Capodimonte, Naples
Casina Pompeiana, 1998
"Bocca d’Acqua", Galleria Raucci e Santamaria, Naples
Welcome X, Pescara

Mi presento: sono Maria Teresa Sabatiello, nata a Milano dove ho vissuto fino all’età di circa 10 anni.

Oggi vivo e lavoro in provincia di Salerno,  a S. Nicola di Centola, nel cuore del Cilento.  Il mio Laboratorio apre ogni mattina le finestre sullo splendido scenario offerto dal promontorio di Palinuro e si colora del blu cobalto del suo incantevole mare…

Ho conseguito la Maturità Magistrale,  relativo Anno integrativo, due abilitazioni all’insegnamento, un attestato post-diploma quale Programmatore per l’elaborazione di dati…  ma il mio vero itinerario è sempre stato un altro… ed è secondo me un percorso obbligato per chi,  come me, viene scelto da quella spinta interiore che “arma” la sua mano con pennelli e colori.

Il mio lavoro è dunque frutto di quella passione per il disegno che mi ha sempre spinta a poggiare la matita su qualsiasi superficie avessi a portata di mano,  ad osservare attentamente i giochi della luce e dei colori nella natura, sul viso delle persone, negli splendidi occhi di un gatto... Non ho quindi fatto studi prettamente artistici,  per tutta una serie di complicazioni, per cui una passione che si è nutrita da sola, della mia tenacia e della mia curiosità, compagne fedeli ed instancabili di un viaggio intimo e personale che mi hanno continuamente spronato ad oltrepassare i limiti del momento per acquisire nuove competenze.

E in tutto questo mio “peregrinare” mi sono imbattuta nelle “pietre”,  il che potrebbe apparentemente sembrare un impedimento, per chi leggesse solo questa frase…

Descrivere cosa mi spinge verso il mio lavoro, per quanto mi riguarda, è infatti spesso complicato.

La “relazione” che intercorre tra la pietra e me è qualcosa che nasce istintivamente, prima ancora che io stessa possa darle un significato. I miei occhi e le mie mani si poggiano sul sasso, ne vengono rapiti e la “rapiscono” di conseguenza a quella natura che,  benevolmente la scolpisce per me… ed io per ringraziarla dipingo per lei,  portando a compimento un’opera,  già in parte realizzata…

Il mio è innanzitutto un lavoro di ricerca, meticolosa e attenta, un viaggio interiore che si “materializza”, oserei dire.  Seduto accanto a me,  il mio mare invernale,  severo e impetuoso consigliere. Le pietre, infatti, vanno scelte con cura perché la mia mano deve intervenire soltanto “a svelarne l’essenza nascosta”…  mai sulla forma.

Quando raccolgo un sasso, non sempre ho ben chiaro in mente il suo suggerimento,  alcune volte è un semplice bisbiglio,  poi però poggio la pietra sul tornio, la osservo, l’accarezzo e il bisbiglio diventa prima una voce chiara e nitida e poi un vero e proprio urlo…

Ed è da questa ricerca ,”interiore e materiale”, che il 18 luglio 2007 è partito “Il CarRo di MarTe”…

Maria Teresa Sabatiello

www.ilcarrodimarte.eu

Innanzitutto mi presento:
mi chiamo Luca, ho 32 anni e vivo a Cagliari, in Sardegna.

Pur non avendo avuto una formazione artistica, ho comunque sempre nutrito la passione per il disegno e da ormai un po' di tempo a questa parte per i ritratti in particolare.
Perché un sito sui "ritratti"? Come molti siti web, "ilRitratto.net" è nato principalmente come sito personale, con lo scopo di accogliere i miei ritratti a matita e qualche nozione sul disegno in generale (quali matite scegliere, la carta da usare e così via).
Sono sempre stato affascinato dai "ritrattisti da strada" e mi dispiaceva un po' pensare che il ritratto potesse essere qualcosa che ognuno di noi può regalarsi solo durante una vacanza, rimanendo incantati di fronte ai ritrattisti che popolano nei mesi estivi le piazze delle principali capitali europee.

www.ilritratto.net

Mandala è una parola che in sanscrito significa cerchio o ciclo. In Origine significava: "quello che possiede (la) essenza e totalità (manda)". È associata alla cultura veda ed in particolar modo alla raccolta di inni o libri chiamata Rig Veda che è uno dei testi sacri più antichi della storia dell'umanità. Il termine Mandala è usato anche per indicare un disegno composto dall'associazione di diverse figure geometriche, le più usate delle quali sono il punto, il triangolo, il cerchio ed il quadrato. Queste figure rappresentano spesso solo una base su cui vengono poi aggiunti altri oggetti.

Il Mandala rappresenta, secondo i buddhisti, il processo mediante il quale il cosmo si è formato dal suo centro; attraverso un articolato simbolismo consente una sorta di viaggio iniziatico che permette di crescere interiormente.

I buddhisti riconoscono, però, che i veri Mandala possono essere solamente mentali, le immagini fisiche servono per costruire il vero Mandala che si forma nella mente della gente e vengono consacrate solo per il periodo durante il quale è utilizzato per il servizio religioso.

Al termine del lavoro, dopo un certo periodo di tempo, il mandala viene semplicemente "distrutto", spazzando via la sabbia di cui è composto. Questo gesto vuole ricordare la caducità delle cose e la rinascita, essendo la forza distruttrice, anche una forza che dà la vita.

Il termine Mandala (lett. cerchio) si ritrova in varie culture, tra cui quella buddhista, mentre il corrispettivo induista è lo Yantra (lett. strumento). Lo Yantra è simile al Mandala, tuttavia le due tecniche si differenziano per la complessità: lo Yantra è molto più schematico, limitandosi ad usare figure geometriche e lettere in sanscrito, mentre nel Mandala sono rappresentati anche - in maniera talvolta particolareggiata - luoghi, figure ed oggetti.

tara.janat@libero.it

Info: www.editom.it

Pietro Rouge


ha conseguito la maturità Artistica presso il Liceo Artistico e Accademia di Belle Arti di Napoli.



Esperienze professionali

- si è occupato di diverse attività artistiche - pittoriche, sculture in bronzo, in legno, in marmo, lavorazione di vetri d'arte, allestimenti fieristici, marchi per aziende e prodotti di design.

- E' l'autore della scultura in bronzo raffigurante P. Pio da Pietralcina (altezza m. 1.80) nel contesto urbano di Scalea (CS).


- E' l'autore del gruppo scultoreo raffigurante San Francesco di Paola con Discepolo (altezza m. 3 ca), per conto del comune di Paola (CS).


- Ha prodotto vetrate istoriate e lavori d'incisione e composizione per diverse chiese, fra queste quella di S. Giuseppe Lavoratore e della S.S. Trinità a Scalea.


- E' membro della Commissione Arte Sacra e Beni Culturali Ecclesiastici della Curia Vescovile di S. Marco Argentano;


- E' inserito negli elenchi fornitori della Fiat di Torino, per aver prodotto allestimenti e scenografie in occasioni di celebrazioni proprie del gruppo Fiat.

http://www.equilibriarte.org/eqmember/4722

Le opere in pietre dure a rilievo, espressione della scuola napoletana, sono già presenti nel XVII secolo nel tessuto artistico della città partenopea dove si contano esemplari di gran pregio, prevalentemente in ambito religioso; una forma d’arte barocca perpetuata poi nel Laboratorio che Carlo di Borbone, divenuto RE di Napoli nel 1734, creò a San Carlo alle Mortelle, sull’esperienza dell’Opificio fiorentino delle Pietre Dure. Sempre meno praticata dalla fine del Settecento, questa lavorazione è oggi praticamente scomparsa. Le opere di Domenico Di Matteo hanno pertanto una duplice valenza: quella dell’alta qualità artistica e della testimonianza di un genere ormai rarissimo. Nel laboratorio dell’artista napoletano, a Sant’Antimo, vengono creati pannelli, quadri, piani di tavoli, cofanetti e altro, realizzati a rilievo nel rispetto dell’antica tecnica artigianale in ogni fase della lavorazione, dal progetto al disegno, dalla scelta all’intarsio delle pietre, con attenzione ai tagli e alle sfumature che danno colore, armonia e senso realistico ai soggetti prescelti.

Tratto da: "La Storia delle Cose" di Maria Cristina de Montemayor editore N°75 Marzo 2007.

Dalla fine degli anni '60, Domenico Di Matteo è avviato dallo zio Francesco, scultore, all'amore per le arti. Dopo diverse esperienze nel disegno , nella pittura e nella scultura, approda alla lavorazione del mosaico di pietre dure , una lavorazione ad intarsi su piani marmorei nella tipica espressione napoletana a rilievo. Consigliato dalla famiglia a seguire studi che gli potessero offrire maggiori possibilità di lavoro, Domenico inizia ad occuparsi di restauri su strutture architettoniche; certo, il lavoro non manca nei palazzi e nelle chiese napoletane, ma l'arte dell'intarsio coinvolge sempre più il nostro artefice che vi si dedica sempre con maggiore entusiasmo, consapevole della grandezza di un'espressione artistica che va scomparendo. Vi si dedica con il fervore dell'artigiano, che sperimenta di continuo nuove tecniche alla ricerca della perfezione, e con la creatività dell'artista che cerca di fermare l'idea, il progetto, sui marmi e sulle pietre scelte, incassate e commmesse. Questo lavoro ad intarsi marmorei , che si inserisce nella tradizione della scuola napoletana, diviene per Domenico Di Matteo il principale interesse culturale e l'attuale professione.

BRUNO PIEROZZI


Nato a Roma il 7-5-54 ha frequentato l'Istituto d'Arte di Roma  conseguendo il diploma di Maestro d'arte nel 1974, nella disciplina di decorazione pittorica. Negli anni '80 ha intrapreso un approfondito studio della tecnica pittorica della tempera all'uovo, scrivendo un piccolo trattato su questa tecnica,
pubblicato in internet presso i siti

e-mail : brunopierozzi@katamail.com

Gaetano Vicari, pittore. Ha conseguito la Laurea in Lettere e, dopo un lungo periodo di insegnamento, si è specializzato in Tecniche sul restauro di dipinti presso l’Istituto per l’Arte e il Restauro "Palazzo Spinelli" di Firenze.

Da un primo periodo impressionista, è passato al surrealismo, all’astrattismo ed infine al realismo. Suoi soggetti preferiti sono figure, nature morte e paesaggi, che racchiude sempre in ovali; certe volte interviene sulla tela con buchi rettangolari o rotondi. Ha partecipato a varie collettive e personali in Italia ed all’Estero, ottenendo numerosi premi e riscuotendo successo di pubblico e di critica.

Nel 1992 si è classificato SECONDO al PREMIO ARTE, organizzato dalla rivista ARTE di Giorgio Mondadori, Milano.

Quotato in campo nazionale ed internazionale, è inserito nei principali Cataloghi d’Arte.

Ha eseguito i ritratti di ARMAN, ENRICO BAJ, HSIAO CHIN, CHRISTO, NOVELLO FINOTTI, ERNESTO JANNINI, MARIO NANNI, TURI SIMETI, PIPPO SPINOCCIA ed ERNESTO TRECCANI ; le opere si trovano presso le collezioni private degli stessi artisti.

Suoi dipinti sono esposti nel Museo di Poggio Bustone, dedicato a Lucio Battisti, nel Museum of the Royal House of Portugal di Vicenza, nel Museo Sperimentale d’Arte Contemporanea dell’Aquila, nel Museo ArtGrecò di Massa Lombarda e nel Museo Polivalente di Roccadaspide (Salerno).

Recapito abitazione:

Via GERACI VIRONE, 9

94012 BARRAFRANCA (Enna)

Tel. 0934/465094

Cell.333/7223200

Recapito studio:
Via PATERNO’ ROSSI, 59

94012 BARRAFRANCA (Enna)

www.gaetanovicari.netsons.org

Sono Abruzzese di nascita, ho frequentato la Famiglia Artistica Lissonese, diretta dal Maestro Gino Meloni. Ho frequentato assiduamente il suo studio, ricevendo elogi che lui esprimeva molto, ma molto raramente.
Ho presentato i miei quadri in varie gallerie, mai private, in quanto troppo esose.Disegno molto, e mi dedico da breve tempo alla lavorazione della creta. Ad oggi, ho raccolte di 360 disegni a china e 160 quadri ad olio.

www.brunocapestrani.com

Luigi Grossi nasce a Napoli nel 1949. Si è imposto, invece, all’attenzione del pubblico e della critica solo nel 1999 con una mostra alla Galleria La Gioconda di Napoli. Nel 2001 fa seguito, presso la stessa galleria, Quando il pensiero si fa messaggio che riunisce opere degli anni Novanta. La sua formazione avviene nella migliore scuola possibile, cioè nella frequentazione continua di artisti di grosso calibro del panorama contemporaneo napoletano, accanto a Notte, Chiancone, Brancaccio e Vincenzo Montefusco col quale è legato da un rapporto di vera amicizia. Dalla quotidiana frequentazione, il non ancora pittore Grossi segue, incamera, matura, medita, osserva e alla fine elabora una ricerca tutta sua, che era però già in nuce in lui, tanto da proporsi prepotentemente con opere forti sin dalla sua prima esposizione e non dopo una graduale dimostrazione di sé come avviene nella maggior parte dei casi. Al rapporto con gli artisti si accompagna l’esperienza maturata col collezionismo e con le gallerie napoletane, come la Mediterranea e il Centro, oltre all’amicizia con Paolo Ricci: una rete di relazioni che lo portano a prendere sempre più coscienza della sua vena. Sono gli anni in cui arrivano a Napoli le opere di Bacon, di Fontana. Ma è in particolare la lezionedi Raffaele Lippi che sembra interessarlo maggiormente per quanto riguarda le soluzioni formali. La mostra del 2001 ha già le dimensioni di un grande evento che si pone come a metà del percorso artistico. Da allora la sua ricerca diviene prioritaria, continua, incessante, sempre vergine, in rapporto con la materia. <<Dietro i miei dipinti c’è sempre un’idea ricorrente: quella sull’uomo e i suoi destini.A cominciare dal ciclo delle teste che registrano i segni del tempo, della vecchiaia, dello sfacimento fisico fino alla morte>>. Eppure il ciclo delle <<teste>>, che rappresentavano il fulcro della personale del 2001 e che a detta dell’autore stesso era il concretarsi dell’<<idea ricorrente: quella sull’uomo e i suoi destini>>, già le teste, invece, appaiono riflessioni e sperimentazioni sulla materia, una materia che tenta di prendere sempre più il sopravvento su ciò che vuole sembrare o rappresentare. Una materia che ha in sé un portato di tale forza e bellezza intrinseche da spostare in secondo piano la significazione formale della <<testa>>.Il richiamo all’espressionismo di Lippi che dilata le forme, modificandole e traducendole in maschere, memore anche della produzione di Francis Bacon, è fin troppo ovvio. E proprio per questo sembra più un suggerimento in quella direzione che altro. L’idea dell’uomo, la sua vita psicofisica, i suoi caratteri interni divengono ora fonte ispiratrice di un ciclo successivo dedicato al <<vulcanesimo>>.Il Vesuvio interno a ciascun uomo è il nerbo di una seconda esposizione organizzata a Villa Bruno in San Giorgio a Cremano nel dicembre 2002. Il ciclo dedicato al vulcano comprende opere che abbracciano un arco di tempo relativamente breve (1999-2002). La bellezza della materia erompe con una forza e una energia che siamo in grado di percepire appieno. Assistiamo così a un’esplosione che è della natura e di noi stessi, attimo dopo attimo, in un continuum davanti al quale rimaniamo in silenzio come per sentire anche i forti rumori di quell’impeto che i dipinti evocano. I titoli sono superflui; è tutto chiaro. Il colore e la materia cromatica si fanno magma, lapilli, fumo, vapore, fuoco, fiamma, più vento, più energia (Lapilli vesuviani, La folgore di Vulcano, Lapilli pompeiani), più forza (Fulgore di Zeus, L’officina di Vulcano) .Ma è un’eruzione non distruttiva; uno spettacolo da contemplare e nel quale immergersi. È quasi riduttivo chiamare il dipinto ad acrilico Verso la Solfatara (2001), un titolo che sa di paesaggismo ottocentesco. Quell’espansione di materia gialla verso l’alto, che va a lambire una stretta lingua di nero-vuoto, è quasi metafora della biografia artistica di Grossi: arte sopita, ma viva internamente, e uscita poi con forza.Dopo il ciclo dedicato al vulcano, dove resiste ancora, anche se solo verbalmente o intuitivamente, un legame con la natura e la vita, arriva la trilogia impegnata a dare forma, volume e colore al <<nulla>>, inteso come nihil o materia primordiale. Secondo il pensiero del filosofo Aldo Masullo, <<I colori del nulla, dipinti da Luigi Grossi, non altro sono che i colori dell’anima, sensi di vita, delicata e forte poesia>> (A. Masullo, I colori del nulla. Luigi Grossi, Napoli 2003). I colori del nulla <<non sono che i colori della vivente unità psiche-mondo nel suo originario insorgere, sensi vissuti al di qua di ogni convenuto significato, mistero di una poesia in cui "canta la castità della luce">> (Masullo 2003). È come se l’eruzione vulcanica si fosse fermata, e i colori di quella energia avessero trovato un loro lento cammino orizzontale, un orizzonte sereno su cui defluire. Questa volta i dipinti non hanno più titolo. Lo spettatore assiste a questi cambi di fondale con colori magnifici che si estendono sul supporto senza avere inizio né fine. Onde di colori fortemente evocative per una materia sempre protagonista. Per Grossi si tratta di una fase intermedia nella sua sperimentazione. La materia, elastica, flessuosa, deve ancora essere sottoposta a ulteriori manipolazioni.Nel giugno 2004 è presentata nella Biblioteca Nazionale al Palazzo Reale di Napoli una nuova mostra, I volumi del nulla. È la seconda tappa della trilogia. Un filo conduttore unisce i colori preziosi delle tele dell’esposizione precedente a un dialogo in bianco e nero di tagli, risolti ora in un rapporto di pieni e vuoti ora secondo una inequivocabile linearità. Sono i bianchi e i neri del nulla e del tutto, immagini ecografiche di non volumi, di non pieni e di non vuoti. Vi si affiancano i volumi veri, le sculture: la colata di bronzo riempie ora il volume del nulla. Anche qui la tecnica e l’approccio non tradiscono la bellezza e il piacere interni della materia. I lembi di bianco non creano inquietudine. Siamo nuovamente di fronte a opere che si fanno sentire in tutto e per tutto e che evocano in noi un’infinita gamma di sensazioni. Il suo linguaggio artistico è la risposta all’incessante interrogarsi sulla vita e sull’uomo del <<filosofo senza filosofia>>(A. Masullo, I volumi del nulla, Napoli 2004), nel senso dell’uomo che si pone davanti alla vita esterna e interiore interrogandosi, combinato con la curiosità dello sperimentatore; si produce una dimensione metafisica: <<il nero come l’azione modificatrice del bianco, l’operante potere di annullare: esso inghiotte il bianco fino a renderlo a sua volta nulla>> (Masullo 2004). La fase successiva, cui non sarebbe giunto senza le precedenti, è quella odierna. Nelle Coesioni cifrate e nei Dinamismi materici il nesso linguistico con la natura è scomparso. Ora vive la materia nel suo protagonismo assoluto. È la terza tappa della trilogia del corpo

http://www.luigigrossi.eu/index.html

Alessandro Graziani porta avanti da tempo una sperimentazione artistica che giocando con i vari linguaggi della cultura

giunge a risultati inediti e sorprendenti,anche per la varietà delle tecniche utilizzate e dei supporti di

stampa

La personale sarà inaugurata nella splendida e suggestiva cornice di Castel dell’ Ovo giovedì 4 settembre 2008

con il patrocinio del comune di Napoli ,assessorato alla Cultura in collaborazione con Acas Service di Orvieto

Il progetto è a sostegno di "Emergency"

Nato a Napoli, formatosi a Milano, vive tra il Brasile e l’Italia.

In effetti non si può parlare di Alessandro Graziani scindendo il lavoro dall’esperienza di vita vissuta dall’artista,un

esistenza che lo ha portato ad incontrare ed a accumulare studi e ricerche che spaziano dalla storia umana alle origini del

linguaggio,dalle religioni alle logiche e alle strategie della grande industria. Alla radice di queste ricerche c’è sempre

stato l’interesse e la curiosità verso i comportamenti umani. Il suo bisogno impellente di liberare la sua creatività,unita

ad una sperimentazione costante, lo ha portato ad incontrare i linguaggi dell’arte contemporanea individuando in essi lo

strumento ideale per comunicare i frutti delle esperienze maturate. In tal senso si è avvicinato all’impegno della realtà

virtuale,mescolandole a tecniche tradizionali come il disegno classico

Nelle sue opere fa rivivere personaggi del passato, decontestualizzandoli, calati nella realtà contemporanea

perfettamente a loro agio,sia per il look attuale, sia per le modalità comportamentali

Il suo Agamennone, trasportato nella realtà odierna, conserverebbe probabilmente i tratti salienti della sua personalità,

assumendo forse le fattezze di un imprenditore di successo.

La sua ironia però non va confusa con la satira politica o di costume, ma è tesa ad una rappresentazione delle

sovrastrutture e dei conflitti della società contemporanea in maniera visionaria e paradossale.

La sua critica scaturisce da una religiosità vissuta come strumento di felicità e autorealizzazione, in una visione del

presente e del futuro sempre ottimistica.

Scene inverosimili ed ironiche sono un tratto ricorrente nel suo linguaggio visivo, condite da colori brillanti, fiori,ficus e

Spiagge tropicali. Si sente il profumo del brasile nelle opere di Alessandro Graziani.Più precisamente Rio de Janeiro,

dove vive e lavora alternativamente a Napoli.

www.alessandrograziani.it

Mariangela Levita works on minimal signs, fruit of the modernist experience with which the subject have had himself to do during the sixties. This sings (squares, circles, lines) go to compose a texture on the surface of the paint, making it bubble, they create in the user an attraction-repulsion dimension for this support, either it’s a canvas or a wall. The artist puts the user in a perceptive paradox: from one side she ressures him that it’s all on the canvas and she worries to name it, from the other side the canvas transforms itself more in a diaphragm turned toward him, than toward the illusory space, just for the fact that the wall and the spatial limits are under the same rules of canvas.
The intervention for the show "Castelli in aria" in Napoli (2000) was constituted by three paintings with three stylised animals, that declared the nature of the object, or rather the flattened forms on the canvas surface that contain colour. But on a comprehensive view, the three silhouettes lost their being icon in simulating movement action of a march in Indian file. So the confusion (not the cheat),between the vertical space and the practicable space, between objects and their representation (which is the only thing for her),was increased by the association of the three painting with a big wall painting ,made by grey ellipsis thatmake the physical encumbrance of the corner of the wall towards the centre of the room seen a simple optical illusion.
Recently, in this schizophrenia between hallucionatory perceptible states and the take of consciousness of the plan, surface, elementary signs and concrete form, the artist has introduced also the direct aspect of the communication, or rather the information. This last one shows itself as a document, like the first page of the newspapers, where the news and the linguistic code became support of a unique abstract sing, creating a short circuit on whatever of the two sings is

the bearer of the moment’s oneness (the news a daily item, or the colour/sign). In other case the element of the language/meaning takes shape through clichè statement on the History or through popular images.The wall painting, made for the show "Imago" in Monfalcone (2003), proposed again the famous question what do you do without the question tag: graphic symbol that represent the phrase as a question. This strange and contradictory affirmation was associated with the image of an armed hand from the comics, used also by Roy Linchtestein, enlarged, but posed on a side (make it read us not in deepness but in length, as a landscape, from left to right) that created in the visitor a codification perplexity, that took us to be literally expelled from the room. The last works are big canvas in black and white where the original image of a stretch of water, signed by some emerging reed, is like stripped and reduced to it’s principal structure.
Seeing this Works, Paesaggio, estremamente bianco estremamente nero (2004), installed in the space, it’s like being in a thin membrane….like the one of the view, of the memory, of the dreamed.
Levita start from the sing code of the real that the world produces to communicate themselves, as the graphic reduction and the sing formula of the objects. She start just form a real already nibbled from the gear of the communication-information.

http://www.mariangelalevita.com/

Eugenio Magno nasce a Napoli nel 1944 e fin da giovane si propone e si impone nell’ambito del panorama artistico partenopeo, con una prima personale tenutasi al Circolo Canottieri di Napoli nel 1966.

La caratteristica sintesi tra tradizione e innovazione, tra realismo e impressionismo, proprie della produzione pittorica di Magno, lo portano ad oltrepassare precocemente i confini della propria terra d’origine.

Dopo una serie di esposizioni personali ospitate dalle principali gallerie del capoluogo campano (1970 - Galleria Plaza; 1971 – Galleria dei Mille; 1972 – Galleria Plaza e Galleria Politeama; 1973 – Galleria Modigliani), l’artista offre delle personali a Milano (1973 – Galleria "Il Baguttino"; 1976 – Ars Italica), a Savona (1974 e 1975 – Galleria Vangelista), a Cremona (1974 – Galleria "Il Torrazzo"), a Genova (1976 – Galleria Mazzini). Negli stessi anni Magno è coprotagonista, insieme ad altri artisti, di esposizioni di gruppo in varie località italiane: Riccione, Montecatini, Spotorno, Milano.

La produzione artistica di Eugenio Magno è stata oggetto di interesse da parte di autorevoli testate giornalistiche locali e nazionali, oltre che di importanti pubblicazioni specializzate.

Tra le prime vale la pena di menzionare: Il Roma, Il Mattino, Il Corriere della Sera, Il Giorno, Il Secolo XIX, Il Messaggero, insieme a rotocalchi quali Grazia, L’Europeo, Tempo. Magno è stato inoltre recensito dalla Rai TV e dal cinegiornale CIAC.

Per quanto concerne la stampa specializzata, l’autore è inserito nel Catalogo Nazionale Bolaffi n° 9, nell’ Annuario Generale Arte Moderna n° 1, nell’ Enciclopedia Arte Contemporanea, nelle pubblicazioni d’arte Artisti visivi 1974, Il Quadrato, Eco della Critica, Pittori Contemporanei, Mercato Artisti 1973, ed altri ancora.

La risonanza e l’importanza dell’opera di Eugenio Magno sono altresì testimoniate dai numerosi riconoscimenti conferiti all’autore da parte di commissioni composte da esperti e critici d’arte che operano a livello nazionale: 2° Biennale città di Sorrento (1967); Incontri Artisti – Estate Flegrea – 1° Trofeo Scarlatti (Napoli – 1971); Primo Premio "Incontro D’Artisti 1972" Trofeo Achille Lauro (Napoli); Presenze 74 (Milano – 1974); Premio Solenghi (Spotorno – 1974); premio Dante Alighieri, premio Leonardo da Vinci, nel 1975 gli è stato conferito il premio Marcaurelio; nel 1981 il Comune di Milano gli ha conferito l’ Ambrogino d’oro e nel 1985 il Ducatone d’argento.

Eugenio Magno è membro dell’Accademia Marconi.

http://www.eugeniomagno.com/

Alma Sauro è nata a Napoli dove vive ed opera.
Ha affinato le sue doti artistiche all’Accademia di Belle Arti di Napoli (corso di scuola libera del nudo ed incisione- 1990); da molti anni espone le sue opere in varie gallerie d’ arte in Italia e all’estero (Francoforte, Dùsseldorf, Salonicco).
Ha partecipato a numerose mostre collettive, estemporanee, concorsi di pittura e rassegne artistiche ove ha riscosso critiche favorevoli e numerose onorificenze. Nel 1997 ha fondato e coordinato un movimento artistico, con il gruppo "Gli Amici del Colore", ispirato alla libertà di espressione in arte contemporanea, costantemente presente nelle manifestazioni culturali e religiose dell’ arte contemporanea partenopea.
Nel 1987 è stata nominata per meriti artistici "Accademico d’Europa".

www.stefaniafabbri.com

FABIO CORUZZI

Nato a Foggia 6 Dicembre 1975.  2001-2002 Studi in arte e design (specializzazione in arti grafiche) alla London College of Communication - University of Arts London –BTEC Diploma internazionale in graphic design
2002 - 2005 - Corso di laurea in Graphic and Media Design (Illustrazione) alla London College of Communication - University of Arts London - Laurea in Arti Grafiche - Illustrazione
Membro della Royal Alumni Association

Membro dell’ East London Printmakers

www.fabiocoruzzi.com

Anders Gullberg

nagullberg@hotmail.com

http://www.ramverk.se/kanten/medlemmar/anders/cv.php

Angela M. De Rosa

Salvatore Loffredo

Salvatore Loffredo è nato a Napoli, lavora a Napoli e nella Provincia di Pavia, ha frequentato la Scuola Libera Del Nudo presso L'Accademia di Belle Arti di Napoli.Ha pubblicato nel 1995 "I Giardini di Luglio" Ed. Libroitaliano per la collana letteratura contemporanea e coniugando la passione per lo studio della filosofia con la pittura intesa come processo creativo e "materializzazione del pensiero",ne ha fatto di quest'ultima una scelta professionale da oltre quindici anni. Ha esposto a Napoli,a Locarno (Svizzera)Sant'Agata de Goti,Morcone,Torino,Canneto Pavese(Pavia),Santagiuletta(Pavia),Bologna,Piacenza.

NOTE CRITICHE

Nato a Napoli, dove ha frequentato la Scuola libera del Nudo presso l’Accademia di Belle Arti, ha poi iniziato ad ampliare i propri contatti con varie città italiane e straniere e attualmente svolge la sua attività tra Napoli, Milano e Pavia. Al suo attivo figura pertanto un ampio curriculum, con mostre prestigiose tenute in tutta Italia e in svariate città d’Europa.Artista di ricerca, Salvatore Loffredo pratica la sua pittura fortemente contemporanea nella quale confluiscono, mediate da forte personalità e da spunti assolutamente nuovi ed originali, memorie delle più conosciute avanguardie storiche e arte d’oltre oceano.Espressione intensa, quella dell’artista napoletano e certamente innovativa, ma che sa guardare con grande attenzione e interesse al passato e alla storia in un rapporto non conflittuale, ma di continuità e naturale evoluzione.Così nelle sue opere spesso compaiono frammenti di arte greca, collages o dipinti (busti, teste, figure) che poi, in parte, vengono coperti da colature, scritte e graffiti di grande effetto.Ultimamente le opere di Salvatore Loffredo hanno però evidenti richiami alla “Pop art”, come recita il titolo della mostra, con l’utilizzo di manifesti che vengono letteralmente raccolti e/o staccati dai muri per essere poi nuovamente ricomposti.Interessante opera di ri-collage o ricostruzione che segue l’inventiva e le idee guida dell’artista.

Luciano Carini

http://www.loffredopittore.blogspot.com/

INIS
Biography :

Since his arrival in France, at the end of his adolescence, François has
been painting. The expression of this bubbling passion is deeply rooted
within him.
Be it clowns, flowers, orchestras, exotic markets, or a gold prospector, he
sometimes goes far from St.-Jean-de-Maurienne, where he resides, to draw on his sources of inspiration, such as French Guiana, the south of France, and Spain.
But it was when he depicted the Bauges for the opening of the Nature Park that his painting genuinely took on that exceptional, evocative strength for which we know him today.
At the hollow of the Chéran valley, where he was able to view the old
village, he immersed himself in a landscape humming with the life of the
fields and found there his true vocation as a painter of rural life.
The Bauges, which have been given the newly-minted title of Regional Nature Park, will give this figurative artist the inspiration to develop a warmer, more rustic and suggestive style.
His red Tarentaise cows smell like the land of this terra incognita, and are
the color of that bright red mold that adorns the rind of the best Tomes des Bauges cheeses.
Les Moissonneurs, the small market in Le Châtelard, displays a range of the colors that are an indication of a certain serenity.
In La Grenette, at the heart of the old village, he gives new life and
animation to a forgotten space that seems made for him. He gives the
momentum for a rebirth of the old center of the sleepy village.
The bronze sculptures, or the iron assemblage compositions, cast by a
foundry owner from Verona were suspended for a time. Forgotten were the renovation sites of the flamboyant baroque period chapels of Savoy, where the devout Francesco would spend days and sometimes nights satisfying the orders of the Architect.
Even the painting courses that he gave to the young people of St.-Jean-de-Maurienne became less frequent.
He created the first snow and ice sculptures in Valloire, at Les Aillons,
with his friend, the Le Noyer sculptor Giachetti, to mark the 20th
anniversary of the opening of the Margériaz to skiers. These also became but a memory.
Still alive, however, was the tradition of the Biennale des Arts between
Maurienne and Bauges, where for a few days, his painter and artist friends answered the call, sometimes from very far away. The presidency of the regrettable Corda, the photographer of Fidel and Che, was a feature of this extraordinary artistic exhibition.
So many open pages were not closed again, the expression of an impassioned, engaged, uncompromising personality, a militant for art with an untamable energy at the service of a passion.
François gradually managed to find an essential, universal way of writing on his canvas, that which translates best the values of which he is the
product.
During his childhood as a young shepherd in Calabria, he saw his father, as Luigi sees his today. This father sculpted wooden flatware, and his son
instinctively copied the pattern at the heart of the Bauges, where the
tradition of planewood silverware has remained present throughout the
centuries.
Here he finds the harsh toil of the land of his youth and is inspired by the
strong character of a massif that has long been off the beaten path.
This rediscovered rural life will give a new strength to his color. The
essential truth of the land is obvious and shines through on his canvas.
The doubt that could sometimes assail him disappeared with the recognition of a few enlightened buyers and the encounter with « the other François » , the art dealer François Chabanian.
Although Inis had already made a few foreign connections, the two men
concluded a stimulating entente cordiale. Both the number of exhibitions and Inis’s success multiplied.
This international recognition could not leave such a sensitive artist unaffected. But, thanks to this success, Savoyard painting will now emerge from obscurity.
His painting, like that of Joseph and Jean Communal (who also remained in Le Châtelard), as well as Cariffa, Poignant, and Cachoux, remains a quest to communicate to other eyes, and to other senses, the homage that he renders to qualities such as work, modesty, and faithfulness to our roots. This touches us deeply because we know that this is our very essence.
This bard of labor, be it in the reflection of the Cayenne markets, an orchestral performance, a clown’s pantomime, a floral arrangement, or
harvesters or Tarentaise cows in the field in the Bauges, knows how to touch us with his strokes.
André Guerraz
Director, Massif des Bauges Regional Park
The market, a universal symbol
A profusion of materials, a mix of scents and sentiments: Inis arrives,
logically, at the theme of the market, « a universal symbol »  , a place of
exchange and life. He renders homage to this life that he loves so much by
the use of red in his canvases for the first time. « Red is birth. It is life
and strength » , confides the artist, who confesses to conversing with the
characters that are created, captured, and encountered as he wanders among the stalls. The markets of Inis: so many ordinary scenes, vibrant with an exultant, eye-catching tumult.
Working in the fields...a return to origins
After these various happy experiences, Inis revives the impressionist spirit and paints peasant labor. Using Jean-François Millet’s sensitive, powerful realism as an example, the artist admits : « I want to show » a simple, absolute subject, the reality of laboring in the fields, of a man working with his hands. In a poetic return to Nature and far from the mists of the Amazon, Inis begins his return to his origins. His quest for the moment, the gesture, is implied in the liveliness of his industrious, robust, and skillful « laborers » . Through his art, Inis revives an (almost) forgotten time...
Blue Goats
Because « painting is a memory of oneself » , Inis delivers, with the theme of the Blue Goats, his most personal works. Massive goats that were « felt and thought through » , goats with elegant bluish highlights, which he experienced while he was still but a modest shepherd, who looked at the horizon and who, already, dreamed of crossing it and seeing what lay beyond.
Music, muse and motivation
Inis ‘s Orchestras possess a rare elegance. The artist presents his most
vibrant tableaux there, stamped with a new sobriety and, as always, inspired and filled with emotion. Inis also draws inspiration from music. « Music stimulates. In his studio, the artist is alone with his canvas and married to his support. He is in need of motivation, in this case, music. »  And, as Inis says so well, « Painting is also composing. » So, it is not surprising to see a musical tone in every stroke of color.
Bulls and horses Strength and communion
The bullfights of INIS have the power of the beast, with the heavy and
shining armour... and the cold beauty, the lean elegance of the toreador.
For as much, the artist does not paint there Death.
On the contrary INIS sees Life in this strange opposition and this titanic fight.
Mankind and the animal are once again united in his games of polo,
inspired by INIS' stays in Megève, the proud and haughty.
Linked together by blood, and by the elegance of an healthy effort.
Still Lifes,

Franco Longo

Franco Longo nasce a Salerno il 18 dicembre del 1945, consegue il diploma di laurea presso  l'Accademia di Belle Arti di Napoli ed è docente di Discipline Pittoriche e percezione visiva presso il Liceo Artistico di Salerno.

Nel 1965 allestisce una mostra personale presso la Galleria La Seggiola di Salerno.

Nel 1969 allestisce una mostra personale alla Galleria Einaudi 691.

Nel 1973 partecipa alla II Rassegna Incontri Internazionali d'Arte, presso l'Azienda di Soggiorno e Turismo di Salerno.  Realizza il disco Tempo Imparziale, LP 33, con testo critico di Filiberto

Menna.

Nel 1975 é invitato alla X Quadriennale d'Arte, La Nuova Generazione, Palazzo delle Esposizioni, Roma, nell’ambito della quale, attraverso materiali multimediali, enuncia la citazione HIC ET NUNC, e definisce l’attraversamento spazio/tempo mediante una proiezione continua.

Installazione di una mostra personale presso la Galleria Taide di Mercato San Severino, Salerno. Partecipa a Full Time a Reggio Calabria.

Partecipa alla Rassegna Napoli Situazione 75, introduzione al catalogo di G. Pedicini; cfr. Enrico Crispolti, Arti visive e partecipazione sociale, Bari, De Donato, 1980.

Nel 1976, in occasione del XIX Festival del Cinema di Salerno, realizza a Cava de’ Tirreni l'happening Non c'è più firmamento, da cui viene tratto il film La stella di vetro.

Nel 1977 allestisce al Lavatoio Contumaciale di Tomaso Binga, in Roma, un environnement  Sublimazione, il Tempo dell'irreversibile.

Continuando il suo lavoro sull’ uso del video, dà vita ad una nuova serie di Video-tapes, tra cui Spazio Fluido, presentati in occasione della mostra personale alla Galleria La Seggiola di Salerno.

Partecipa all’ Arte Fiera di Bologna, con la Galleria La Seggiola di Salerno, nel 1978.

Nel 1979 personale alla Galleria Taide, Salerno, video installazione.

Arte Fiera di Bologna, Installazione in piazza della Costituzione di un telone di cm 1500x200 recante la scritta WHAT YOU ARE THINKING IN THIS MOMENT IS ART.

Nel 1981 è segnalato da Filiberto Menna nel Catalogo Bolaffi Arte Grafica n.11.

Partecipa all'Expo Arte di Bari con la Galleria Taide di Salerno.

Nel 1982 partecipa alla Rassegna Spazio Video, presso l’EPT di Salerno.

Allestisce la mostra personale presso lo Studio Trisorio di Napoli, Sogno d’amore sull’ipotenusa, con testo critico di Antonio d’Avossa.

Partecipa a Differenza Video, Rassegna Internazionale di video d'artista, presso lo Studio Trisorio di Napoli.

Nel 1983 è presente alla Rassegna Spazio Video II, Palazzo S.Massimo, Salerno.

In settembre partecipa all’Annual Living Room Video Festspiel ‘83, Salling, Danimarca.

In ottobre partecipa a Video C.D.83, Cankarjev Dom, Ljubliana, Yugoslavia.

Nel 1984 allestisce al Castello Arechi di Salerno, la mostra personale Amor Sacro, amor profano,  testo critico di Rino Mele.

Partecipa alla Rassegna L'Immaginario Tecnologico, Museo del Sannio, Benevento.

E’ a cura di Rino Mele il testo sulle opere video: Franco Longo La pittura trasferita, Studio Trisorio, Napoli.

Nel 1985 partecipa ad Art Media, Rassegna di Estetica del Video, a cura di Mario Costa, Università agli studi di Salerno.

Nel 1986 è invitato alla Rassegna U-Tape, Palazzo dei Diamanti, Ferrara.

Nel 1989 allestisce nell’ Auditorium S.Giovanni di Dio di Salerno, una mostra personale con la pubblicazione del volume, Vizio e malinconia della pittura di Michele Bonuomo, Edizioni Gabriele Mazzotta, Milano.

Nel 1990  MASP, Galleria La Seggiola 1965, Sào Paulo, Brasile.

E’ del 1992 Artifex , mostra personale presso l’Auditorium S.Giovanni di Dio, Salerno.

Libro dei Versi e delle Figure, 1992, Avagliano Editore, Cava de’ Tirreni.

E’ del 1993 Solfuro di mercurio, mostra personale presso il Tempio di Pomona, Palazzo Arcivescovile, Salerno.

Nel 1994 è invitato presso il Musée Municipal de Saint-Paul, dove allestisce una mostra personale con presentazione in catalogo di un testo poetico di André Verdet:  Prestiges d’une peinture.

Rino Mele, Via della stella, disegni di Franco Longo, Avagliano Editore, 1994.

Nel 1996 allestisce una mostra personale presso il Lazzaretto, ex Ospedale S. Maria della Pace, Napoli, col patrocinio della Regione Campania e del Comune di Napoli. Catalogo-monografia a cura di Rino Mele e Massimo Oldoni.

1996 cfr.Terzoocchio trimestrale d’arte contemporanea Bologna n.81,

testo  Paola Guerrini

1997 Nell’ambito della XIII settimana per i Beni Culturali, Soprintendenza Archeologica

di Salerno, nella Villa Romana di Sava di Baronissi, Salerno, mostra La discesa agli inferi, di Franco Longo e Pietro Lista.

Nel 1999 allestisce a Villa Carrara, Salerno, La cripta e il cielo, mostra patrocinata dal Comune di Salerno, Catalogo Ripostes con versi e testo critico di Rino Mele.

2000 Arte sulla Passione, Convento San Francesco Giffoni Valle Piana (SA).

2000 Con…fronti CerAmici, Chiesa S.Apollonia, Salerno.

2001 XI Scientific week "MUSIS" University La Sapienza Rome, Lavatoio Contumaciale Roma.

Nel gennaio 2002 allestisce la mostra personale  Corpus, presso lo STUDIO 34, Salerno, catalogo con testi di Rino Mele. Pubblicazioni settimanali di disegni,  in collaborazione con il quotidiano Roma il Salernitano.  In agosto-settembre partecipa alla rassegna Furore dolce dell’arte, con testo di Rino Mele, Costa d’Amalfi.

Art Awards, Franco Longo Contemporary Artist Site 05/11/2003 ... site is also the home of the Award Sites Rated 4.5 Ulla's Site Awards Program. ...

2002  Percorsi creativi STUDIO 34, Salerno

2003 A cura dell’Università degli Studi di Salerno, mostra alla Galleria Il Catalogo di Salerno Apparizione della nave.

Partecipazione alla rassegna Immagini & Scene, a cura dell’associazione Compagnia Scenidea, presso la Chiesa di S.Apollonia, Salerno.

Nell’ambito del Civita Festival 2004 presenta a Civita Castellana  la video installazione Labyrinthus a cura della cattedra di Estetica dell’Università di Salerno.

Hypegallery Milano, HISS-PUNCH-OUT dicembre  2005, white noise  Hypegallery     Milano

Hypegallery Berlino, Hypersensivity, settembre 2006

Aprile 2007 Mostra personale, Malinconia della musa – Compagnia delle indie Salerno

Maggio 2007 collettiva – Eterno femminino – Hotel Convento S.Michele Salerno

Agosto 2007 Scuderie del Castello di Castellabate SA

Il Castello Sospeso Metamorfosi di terre e fuoco.

Dicembre 2007 scatticeramici

Dicembre 2007 MUSE spazio dinamico, luogo di produzione culturale.

Antico Convento dello Spirito Santo, Pellezzano (SA).

www.francolongo.com

Stefania Frigenti

…”rilievi policromi, sensazioni e pensieri vengono fermati una volta per sempre con acrilici ispessiti, liberati dall'oppressionismo mentale in cui sono radicati.
Lo scorrere del colore rimaneggiato a volte con le dita crea onde voluttuose e corpose esprimendo la vitalità delle sfumature variegate del mare. I colori freddi sono l'arché, il principio a cui sono ispirata e con i pennelli filosofeggio il sogno, l'inconscio esprimendo iln fondo parte di me.
La mia opera trasuda di sperimentazione, saggiando continuamente
tecniche nuove, rivolgendosi ad osservatori desiderosi di conoscere e
pronti a lasciarsi invadere da alchimie, sensazioni che siliberano dai suoi
incisivi tratti.
Imprimo sullo spazio forme naturalmente piatte, quasi statiche ma, con una tale
energia interiore da renderle ingombranti, riflettendo il desiderio dell'armonia e dell'equilibrio nella tensione sublimale della mia creatività”.

Anche un luogo circoscritto può racchiudere in se l'universo.

www.equilibriarte.org/stefaniafrigenti

Lorenzo Viola

Il pittore Lorenzo VIOLA nasce a Napoli nel 1951. L'artista, autoditatta, ferma sulla tela impressioni, ricordi ed oggetti cari della memoria dispersi nel quotidiano fluire dei giorni, con personale cromatismo, in cui predominano le terre, i gialli e i viola laccati. Ha partecipato a varie mostre di pittura a Napoli: alla sala Gemito, al Centro Artisti Vomero diretto dal Cav. Pino Lombardi, alla Galleria la Vetta, alla Sala di Santa Chiara, al Maggio Fiorito al Duomo, al Centro Artistico Giotto, alla IIª Biennale di arte contemporanea Casina Pompeiana della Villa Comunale; ed in provincia a Cancello Arnone, Trentola Ducenta, Lusciano, Boscoreale, a Praia a Mare

Info:

www.equilibriarte.org/artelorenzo

Tom David

Hello. My Name is Tom, and this is my online portfolio of my most recent and favorite work.

My figurative work has been an on-going endeavor. When I draw and paint figures, I am reminded that nothing in life is more important than people who are the focal point of our universal concern for life. The principles, vocabulary of form and complexity of American Impressionsim are most significant and relevant to my current approach in which I explore the depths and subtleties of human experience.

The voyeuristic aspect of figurative painting also interests me. This element allows the viewer to see into the lives of subjects while remaining safely hidden behind the veil of the canvas. In this way viewers participate in my paintings in an emotional way. When people see my work, I want them to be drawn into a relationship with it that causes them to think about themselves and their relationship with their social, political, or physical environment.

In addition to figurative work, I have been engaged in the on-going production of a body of work that is based on my fascination with the images and patterns found within the biological systems of the human body. This attraction has led me to study the behavior of individual cells and their relationship with their parent organism. Cells—like persons—are unique; they work, reproduce, and die; communicate and interact with other cells; cooperate to form communities; and live according to rules (DNA). Sometimes, however, cells engage in self-destructive behavior, attack other cells, or rebel against their governing body—just like humans do. The anatomic or functional manifestations of a disease has been the subject of many of my paintings. In my work I try to be aware of the analogy between abstraction and realism.

Please view my gallery section and leave your comments and critique in the contact section. Thank you for visiting!

Info:

http://www.tom-david.net/live/

Dora Perillo

Maestro d'Arte Ceramica nel 1983, ha frequentato l'Accademia di Belle Arti/Scultura a Napoli.
L'uso del colore e le tecniche sperimentali risalgono al 1987.
Dal 1991 al 1995 insegna arti visive e tecniche della ceramica presso il Centro Culturale Ceramicarte.
Fonda la Libera Associazione Culturale "Arti & Cose" per la divulgazione dell'Arte Ceramica, presso la quale insegna tecniche di foggiatura e di decorazione.
Dal 1995 si esprime attraverso la Scultura e la SCULTOPITTURA.
Realizza studi e prototipi per il Design Ceramico.
Vive e lavora a Napoli.

Anno 1996
Mostra Concorso PREMIO GRAZZANO VISCONTI, Piacenza - Assegnato Premio Simbolismo per la Scultura.
Il Giardino delle Muse, HOMO FABER. Perosa Argentina (TO).
Viaggio attraverso la Ceramica (terza edizione Premio Nazionale della Ceramica) a cura di Massimo Bignardi, Palazzo della Guardia -Vietri (SA).
Rassegna Biennale della Ceramica Campana, Chiostro di S. Francesco - Forio di Ischia (NA).
Il Bassorilievo Epigrafe "Parmenide a Porta Rosa", viene consegnato l'11 novembre a Londra come I° Premio Giornalistico Velia, dall'Ente Provinciale per il Turismo di Salerno al Direttore del 'THE TIMES'.
Ceramica sotto il Vesuvio a cura di M. Maiorino, Fond. IRDAC - Pompei (NA).
Anno 1997
Le terre dei valori, rassegna di Ceramica a cura di M. Maiorino ed A. Calabrese, INTERNATIONAL INNER WHEEL - Sessa Aurunca (CE).
Pompei rivelata dall'Arte Contemporanea testo introduttivo di A. Calabrese, Fond. IRDAC Villa dei Misteri - Pompei (NA).
Pompei: nuove mitologie, Fond. IRDAC Villa dei Misteri - Pompei (NA).
X Mostra dell'Artigianato Religioso, Istituto Bartolo Longo - Pompei (NA).
La lotta con Proteo a cura di Ugo Piscopo ed Aldo Di Bello - Mostra d'Oltremare (NA).
Anno 1998
IV Mostra PRESEPIARTE, Museo della Ceramica - Cerreto Sannita (BN).
Anno 2000
Convergenze, Museo della Ceramica - Cerreto Sannita (BN)
La trasparenza dell'olio nei colori della Ceramica, LE CISTERNE - Gioia Tauro.
La trasparenza dell'olio nei colori della Ceramica (DESIGN Ceramico), Fiera dell'Artigianato di Milano 2-10 Dicembre Pad. 22 - REGIONE CALABRIA.

Ha scritto di lei: M. Maiorino
Presenze su: RAI3 TG Campania - TeleVomero
Il Golfo - La Città di Salerno - Collana Trevi Flash Art Museum n° 20

Info:
Studio: Via F. Solimena, 122 - 80129 Napoli
telefax: ++.39.(0)81.558.49.37 - mailto: dperillo@tiscalinet.it

Antonio D'Urso

Antonio D'Urso è nato a Napoli. Diplomatosi al Istituto d'Arte Palizzi di Napoli, da oltre quarantacinque anni da vita ad una pittura che si affida alla coerenza di una ricerca figurale, portata avanti con grande onestà e talento. Per un decennio ha studiato le tecniche classiche della pittura e il restauro con il suo primo maestro Wilhelm Lehmann dell'Accademia di Dresda, copiando opere di Luca Giordano, Tiziano, Guido Reni e altri. Negli anni seguenti, col maestro Francesco Galante, ha conosciuto la famosa "Scuola di Posillipo" e poi l'impressionismo. Corsi di disegno, di nudo e di incisione presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli completano il quadro della sua formazione professionale.

Info:

www.antoniodurso.com

Carmela Saedtler

Carmela Saedtler è nata a Donauwörth (Baviera/Germania). Nel 1982 ha terminata la "Fachoberschule für Gestaltung" (Maturità) di Augsburg con il massimo dei voti nel campo specifico di grafica pubblicitaria e arte applicata. Dal 1983 fino al 1987 era membro dell'Associazione Artisti Figurativi (Berufsverband Bildender Künstler BBK) della Svevia. Nel 1987 si è trasferita a Napoli, dove si è diplomata nel 1996 all'Istituto d'Arte Palizzi.

Info:

www.saedtlercarmela.name

silvia viola esposito

&

enzo esposito

biography

silvia viola esposito è nata a Napoli 1975,

enzo esposito è nato a Napoli 1977,

vivono e lavorano a Napoli.

Silvia Viola Esposito ed Enzo Esposito,

dopo diverse esperienze, dal 2001 lavorano

con il laboratorio “quartapittura”, diretto

da Ninì Sgambati e Franz Iandolo della R.

Accademia di Belle Arti di Napoli.

Frutto di questa esperienza sono, tra le

altre opere, Think one Thing, installazione,

curata da Lia Rumma e presentata nella

omonima galleria di Napoli;

ImmaGina, installazione, presentata nel

Complesso di S. Francesco, Facoltà di

Lettere e Filosofia Seconda Università

degli Studi di Napoli, a cura di

Alessandra Drioli e Gaia Salvatori;

Un Corno per il PAN, installazione per il

Centro per le Arti Contemporanee Palazzo

Roccella, Castel Nuovo, Napoli.

Nell’aprile 2003, in occasione del seminario

“It’s Only Rock’n Roll”, i due iniziano

una seconda fase di collaborazione con

“quartapittura”, dalla quale nasce il progetto

AfTERfOUR, che si serve dell’immagine

al femminile e si presenta come scultura

vivente e suonante.

Cinque visual artists nell’omaggio a Andy

Warhol s'improvvisano musiciste, “suonando”

i brani di Lou Reed e dei Velvet

Underground,

"é come se Andy Warhol avesse suonato o

Lou Reed avesse dipinto". Biagio Coscia

La performance sarà ripetuta e riadattata

di volta in volta nel corso delle

diverse esibizioni, tra le quali, Sogno

Comune performance/scultura vivente, curata

da Lia Rumma, Esc e Biagio Coscia, presso

la Libreria Feltrinelli, piazza dei

Martiri, Napoli; after4xneapolis'04,performance/

scultura vivente, installazione a

cura di Biagio Coscia, Giulio Di Donna,

Sigfrido Caccese, supporter per Peter

Gabriel e per David Byrne, Neapolis Rock

Festival, Napoli;

Karaokè, interactive performance, wonderwoman,

a cura di Patrizia Di Maggio, Renata

Caragliano, Adriana De Manes Città della

Scienza, Napoli.

AFTERALL | biography

A due anni di distanza dal primo exihibit,

Silvia Viola Esposito ed Enzo Esposito,

con Carolina Ciuccio e Sofia Scarano, rendono

il progetto AfTERfOUR indipendente dal

laboratorio quartapittura e nel settembre

2005, in occasione della XII Biennale dei

Giovani Artisti d’Europa e del

Mediterraneo, presentano

WhiteLightinMultiplication, "una seducente

installazione di sculture luminose riproducente

gli strumenti musicali di una band,

animati dal sonoro delle performers".

Eugenio Viola L'exhibit ha come oggetto la

riproducibilita', la serialita' della forma

gruppo musicale, "La ri-producibilita'

sonora, l'icona contemporanea del musicista

e del cantante sono proposte de-strutturate

in un'installazione sonora ed interattiva

sotto forma di gruppo musicale". Olivia

Spatola

L’installazione andrà in tournée: Galleria

Verrengia, Salerno; La Palma Club Fandango,

Roma; Festival Arborescence, Aix en

Provance (Francia).

Prodotti dello stesso periodo di ricerca

sono inMULTIPLICATIONside, intervento di

publicart, a cura della BJCEM Torino per

ARTbubbles a San Salvario, Torino;

Studio all’Aperto, operazione di destrutturazione

dell'installazione

WHITELIGHTinMULTIPLICATION, a cura di

Lorenza Di Fiore.

Nel giugno 2007, per la prima edizione

della Biennale Viaggio, con SottoSale,

opera vincitrice del concorso, si dà origine

ad una diversa ricerca che segna il

superamento del progetto AfTERfOUR, determinando

il duo afterall.

SottoSale, installazione/diretta web per il

Lanificio25 e Trip, “...un lavoro di invasione

della città. Una riflessione sulla

staticità dei pensieri, dei movimenti. La

semplicità dell’idea e lo spessore del

significato a lei attribuibile la rende di

grande impatto. Il progetto presentato prevedeva

la copertura di un’intera parte

della città con il sale (...) Gli artisti